Matheus Fragata, Autor em Bastidores

Crítica | Fúria Sobre Rodas (2011)

Alguns gêneros nunca deixarão de existir. Os filmes trash, B, exploitation (filmes super exagerados) fazem parte da cultura cinematográfica e me orgulho em dizer que sou fã desse tipo peculiar de “arte”. As homenagens mais recentes (que valem a pena de se mencionar) foram o interessante “Planeta Terror” e o excelente “À Prova de Morte”. Agora, o diretor Patrick Lussier ressuscita este tema misturando carsploitaition (filmes exagerados com carros) com o uso correto e comercial do 3D estereoscópico.

Milton escapou do Inferno a procura de vingança. Sua filha foi assassinada por um líder de uma seita satânica que visa trazer o tinhoso em pessoa para explodir o planeta. No meio de sua viagem desesperada para “involuntariamente” salvar o mundo, conhece Piper e seu Dodge Charger – dois acompanhantes que se mostrarão muito úteis em sua jornada do “além da vida”. Ele tem até a próxima lua cheia para se vingar do satanista antes do fim do mundo.

Renovando a homenagem

O roteiro de Todd Farmer e Patrick Lussier sabe muito bem dar continuidade a idiotice divertida praticada por George Romero, Ed Wood e Sam Raimi. Conta com um protagonista tirado diretamente do Inferno, loiras, nudez explícita, sexo, violência gratuita, explosões, muscle cars voadores, vilões caricatos e consequentemente uma narrativa fraca. Até mesmo o próprio roteiro tem dificuldade de explicar a história para o espectador utilizando inutilmente flashbacks maçantes. Infelizmente, isso resulta em uma falha notável no roteiro – por exemplo, como Jonah (é a quinta vez que vejo um filme trash com um vilão “satânico” chamado Jonah) reconhece logo de imediato Milton sendo que os dois nunca haviam se encontrado antes? Outra coisa injustificável é a participação de Piper na história, visto que ela é uma personagem apêndice – Milton conseguiria ter cumprido sua missão com ou sem ela, já que ele é from hell.

Entretanto, ele diverte ao criar a cena mais memorável do filme inteiro – a parte que Milton dá um novo significado ao título de masculinidade em que realiza quatro proezas ao mesmo tempo. Seus personagens também são interessantes, sendo o melhor deles o único e original “Contador” em que aproveita para fazer críticas a seitas e inserir os momentos mais absurdos do filme. Ele também tem a esperteza de resolver rapidamente os conflitos secundários da narrativa, além de sempre ser criativo nas matanças de Milton. Mesmo assim os problemas superam suas qualidades. Diversas vezes, me senti desinteressado a respeito da conclusão previsível da trama, fora o cansaço mental das reviravoltas que mantém o desenvolvimento do filme inteiro – as pausas para desenvolver os personagens são quase inexistentes e quando aparecem, apenas servem para encher os minutos da projeção do longa.

Diretamente do Inferno

Nicolas Cage está amaldiçoado há algum tempo. “Caça as Bruxas” foi o fundo do poço e, consequentemente, não havia como ele afundar mais. Entretanto, aqui está muito bem no papel de bad ass chegando até a revelar algumas expressões inéditas, sem abandonar, claro, sua marca registrada, a famosa “cara de caçar mosca”. Sua atuação é caricata, ele é o típico anti-herói que conquista todas as garotinhas da lanchonete. Além disso, criou um sotaque forte, grave, pesado e pausado para enfatizar as diversas frases de efeito provenientes do roteiro. Infelizmente, não soube medir as horas que deveria atenuar e largar o sotaque de lado – o melhor exemplo disso é a cena que ele comenta como é a vida no Inferno com uma fala tão trágica que chega a ser cômica.

O melhor da atuação de Amber Heard é sua beleza estonteante. O máximo de esforço que fez foi criar um sotaque tipicamente caipira, soltar umas lágrimas aqui e bater nos membros da seita satânica (aliás, isso ela faz muito bem). Billy Burke é responsável em partes pela péssima pose de vilão que criou. O roteiro é o maior culpado. Suas falas são ruins demais, sempre com um tom bíblico, poético, profético, épico e vários outros “ico” que possa imaginar. E ele conseguiu deixa-las ainda piores, graças ao seu modo de falar completamente inusitado e esquisito. Para completar, sua atuação recheada de expressões ridículas deixou seu personagem com um ar mais patético que do que já possuía. A única coisa bem feita em seu personagem é a caracterização esplêndida que o figurino o conferiu.

William Fichtner salvou o filme. Seu personagem é o melhor do longa inteiro graças a sua participação digna de aplausos. Sempre elegante com sua atuação cheia de manias, gestos suaves e com uma movimentação interessante, mas de poucas caras (uma coisa muito boa), anseia o espectador por cada cena em que participa sendo que sempre são as mais divertidas e marcantes.

Luzes, câmera e ação?

A fotografia de Brian Person é praticamente ausente. O único destaque de seu trabalho é a passagem no bar onde Piper e Milton se hospedam. Lá ocorre o único, mas impressionante, trabalho da modelagem de luz e sombra do filme inteiro. Só é necessário reparar na face de Heard e notar como a luz incide sobre ele, ajudando-a e muito a transmitir a emoção retratada, além de criar um incrível clima de suspense e perigo. Merece também um destaque pela grande variedade de planos nas complexas cenas de perseguição. Person é no mínimo uma pessoa inteligente e aproveitou a escolha do roteiro para filmar a maioria das cenas exteriores durante o dia, diminuindo, desse modo, o esforço de seu trabalho. Visto que sempre é um belo desafio simular artificialmente a iluminação noturna característica das estradas.

Os efeitos visuais são horrorosos e dão aquele ar trash extreme assumido pelo ridículo clímax que diverte o público. Alguns são tão ruins que até contam com falhas de renderização. Entretanto, eles impressionam na criação da “rodovia do Inferno”. A maquiagem também surpreende pela sua eficiência, em alguns casos.

Ouvidos do Rock

A música original composta por Michael Wandmacher rouba a cena a todo instante. O rock predomina soberano em sua trilha com batidas viciantes e frenéticas ajudando bastante a dar um dinamismo maior nas corridas cheias de explosões. As distorções pesadas da guitarra misturadas em harmonia com o som dos tambores deram resultados bastante interessantes de se conferir. Entretanto, aquelas que ele compôs com o intuito de envolver o espectador nas cenas de suspense falharam brilhantemente!

A trilha licenciada acompanha a qualidade da original contando com sucessos rock e pop. Como é impossível encontrar essas músicas comprando a trilha, vou lista-las para conferirem o ótimo som: “Raise a Little Hell”, “F*ck the Pain Away”, “Laserlove”, “I Like to Rock”, “You Want The Candy”, “That’s The Way I Like It” e “Stone in My Hand”.

3D EXPLOITATION

Patrick Bessier é um diretor horrível, isso não é novidade. Com filmes como “Dia dos Namorados Macabro” e “Drácula 2000”, provou sua total falta de talento. Entretanto, não há como negar que este cara é inteligente e que seu novo filme tem estilo e assumir que é apenas uma experiência visual tosca sem se levar a sério em algum instante.

Ele aproveitou todas às influencias dos filmes trash anteriores ao dele e fez uma mistura de “Corrida Contra o Destino” e “Evil Dead”, além de satirizar o misticismo ridículo do rock dos anos 80. Fora isso, utilizou o 3D estereoscópico formidavelmente jogando nos olhos da plateia cacos de vidro, machadinhas, balas, carros voadores, pedaços de gente mutilada, entre várias outras coisas. Então, já deu para entender que a maior diversão de assistir este filme são os efeitos 3D.

Às vezes, o diretor tem um lampejo de decência com a sétima arte e consegue enquadrar seus atores para a câmera de forma genial. Por exemplo, existe um plano consideravelmente longo quando o amigo de Milton chega para rebocar seu Dodge. E aí, nessa hora é que o enquadramento torna-se uma obra de arte. Enquanto ele acerta neste quesito, revela uma estética horrível durante os flashbacks sobrepondo várias imagens na tela misturadas com um filtro visual de péssimo gosto.

Além de tudo isto, adiciona com vontade e excesso vários slow motions em sua obra que desafiam todas as leis da física. Apesar de a gravidade não gostar de ser desafiada, o público se diverte com os capangas satânicos voando, explodindo e caindo em câmera lenta. Entretanto, o uso decorrente deste recurso acaba por tornar algumas cenas de ação bem maçantes devido à falta de dinamismo.

Cuidado ao estacionar

“Fúria Sobre Rodas” é um filme B engraçadíssimo que divertirá os fãs do gênero. Se você estiver procurando explosões encadeadas com o mínimo impacto, muscle cars dos seus sonhos, muita violência gráfica, personagens inexpressivos, história rasa, nudez, tiroteios, efeitos visuais abismais acompanhados de uma música sensacional, este é o filme certo e a diversão é garantida. Ele certamente é um filme que deixaria Charles Bronson orgulhoso, ou não…

by Matheus Fragata

Crítica | 127 Horas

Histórias de superação, pessoal ou espiritual, existem e, de uma maneira ou outra, acabam em livros, músicas e, consequentemente, em filmes. Às vezes são fictícias, outras não, como este caso. Ao contrário de Liz Gilbert, aquela de “Comer, Rezar, Amar”, Aron Ralston redescobriu o sentido de sua vida e sua redenção em uma viagem bem desconfortável. Ele não se empanturrou de massas na Itália, nem rezou na Índia e, certamente, não encontrou o amor em Bali. Mas ficou preso num período de cinco dias em uma fenda perdida no meio de um cânion.

Aron Ralston é um engenheiro que adora praticar esportes. Como de costume, viaja para o Blue John Cânion e, depois de algumas horas de escaladas, um acidente acontece, deixando seu antebraço preso em uma rocha. Durante cento e vinte e sete horas, fica aprisionado na fenda do cânion enquanto luta pela sua sobrevivência, contra seus próprios demônios e tenta escapar de sua situação preocupante.

Cada palavra importa

Danny Boyle e Simon Beaufoy escreveram um roteiro dinâmico e muito fluido. Ele não enrola ao jogar o que o espectador quer ver: Aron prende-se na rocha com dezesseis minutos de filme e, durante uma hora, o público conhece um pouco mais de sua história. O aspecto mais interessante é a desconstrução de Aron durante as horas nas quais fica preso. No início do filme, é apresentado como um símbolo de independência, confiança, arrogância, livre arbítrio e liberdade ou, como ele mesmo se ironiza, “big fucking hard hero”. Mas depois do acidente, começa a perceber, aos poucos, que, na verdade, não existe ninguém que realmente é dono sobre o próprio destino – isso fica bem explicito durante sua reflexão sobre a rocha. Também começa a perder a confiança e a fé em si mesmo. E isso pode ser notado em que toda vez que ele tenta realizar alguma coisa, sempre profere diversos “por favor”. Fora isso, a escolha do vídeo testemunho para manter os diálogos e o ritmo do filme foi muito inteligente.

Nunca uma frase foi tão válida para descrever um filme como neste caso. Aqui a ideia principal é “dê valor as pequenas coisas”. E, é baseado nesse principio, que o roteiro se sustenta durante bons minutos do filme. Para sobreviver e achar alguma força interna/vontade de viver, Aron recorda-se de momentos de sua vida ilustrados por meio de flashbacks. Muitas vezes, essas memórias são bem superficiais e algumas repetidas demasiadas vezes como, por exemplo, não atender os telefonemas da mãe. Essas recordações poderiam ter sido amplamente exploradas e ganhado um fundo psicológico mais interessante do que apenas o arrependimento de ter errado no passado.

Existe uma coisa um pouco clara na história do filme. Assim que ele fica preso na rocha, Aron prova ser um montanhista muito bem equipado com lanternas, relógios, infinitos metros de corda, cartões de crédito etc. Mas uma coisa que todos seres humanos carregam todos os dias em seus bolsos, ele não tem em mãos, um celular. Isso prova a imprudência do protagonista que viaja sozinho ao cânion – muitos montanhistas viajam em grupos para evitar acidentes e geralmente carregam pistolas de sinalização de luz, as famosas flare guns. Apesar destes deslizes, existem muitas coisas interessantes como os devaneios e as alucinações de Aron, a ironia que se faz presente algumas vezes e a crítica ao nem tão novo hábito da sociedade: documentar digitalmente todos os momentos vivenciados e claro, o emocionante clímax de tirar o fôlego ou, até mesmo, a consciência de alguns.

Carregando a rocha nas costas

James Franco nunca teve a oportunidade de mostrar realmente seu talento sempre se reduzindo a papéis medíocres. Finalmente, ele provou que nasceu para atuar e nunca esteve tão fantástico como neste filme. Ele se supera a cada cena, mas a melhor delas é sua interpretação caricata no “talk show” que beira a genialidade. Seu timing entre momentos de pânico, insanidade, medo, tristeza, alegria, etc. é perfeito. Como na maioria das cenas do filme, ele fica preso entre duas rochas, era de se esperar que apostasse nas expressões faciais, e foi o que fez. É uma gama tão vasta de caras e olhares representando um turbilhão de emoções que poucos atores conseguiriam fazer com tanta competência e profundidade quanto fez. Ele realmente entrou no papel, entregou um carisma incrível e realizou um feito inestimável em sua carreira.

Um dos contrastes mais antigos do cinema

Os diretores de fotografia, Enrique Chediak e Aenhony Dod Mantle, entregaram um trabalho bem polido e limpo visualmente.

No primeiro ato do filme, todas as imagens são bem abertas e claras, predominando o tom alaranjado das rochas, com um forte contraste com o azul do céu. Além disso, muitos planos são diagonais criando uma identidade para o filme. Ela se transforma a partir do segundo ato assumindo uma tonalidade fria, pálida e tenebrosa com closes bem próximos e tremidos ao rosto de Franco. Não chega a ser claustrofóbica, graças as escapadas para os flashbacks, mas certamente é bem desconfortável. Também conseguem criar efeitos de iluminação extraordinários – o melhor exemplo que posso citar é a luz do Sol invadindo a fenda do cânion durante os quinze minutos diários de luz que Aron recebe. Para complementar, a maioria das cenas em que Aron está preso foi filmada em estúdio, ou seja, a iluminação é inteiramente artificial.

Com a ajuda dos efeitos visuais, conseguem capturar imagens sublimes como a interessante transformação do clima árido para o chuvoso em questão de segundos. Aliás, vários planos são criados totalmente pelos efeitos, como o interior do tubo de hidratação da mochila, o interior da filmadora e o interior do braço de Aron.

Outras áreas que merecem belos destaques encontram-se a maquiagem sublime, complexa e detalhada apresentada no clímax e a direção de arte que recria com perfeição o espaço que Aron ficou confinado durante sua agoniante prisão.

Indian Millionaire

A.R. Rahman volta a trabalhar com Boyle após conquistar dois Oscar por seu trabalho em “Quem Quer Ser Um Milionário?”. Superando todas as expectativas, Rahman novamente entrega um trabalho fora do normal criando trilhas versáteis, ecléticas, memoráveis e, quem sabe, imortais.

Durante os segmentos que Aron tenta escapar da rocha, a música “Liberation” e suas variações encantam os ouvidos do espectador, graças sua evolução. Ela é composta por uma batida viciante proveniente de uma guitarra elétrica. Na primeira vez que toca, passa despercebida, assim como a primeira tentativa de Aron para sair da rocha. Já na segunda vez, fica mais agressiva em seu final, ajudada por solos de violinos. A terceira e última vez é impetuosa, desesperada, acelerada, cruel e hipnótica e mais complexa com várias escalas crescentes e decrescentes do violino, além de uma bateria incessante com distorções da batida da guitarra. Todas as músicas do filme são inspiradas, originais e belas – principalmente a indicada ao Oscar – “If I Rise”.

A trilha licenciada é tão boa quanto à original. Porém, se for procura-la para ouvir mais tarde é provável que não saia tão satisfeito quanto no cinema onde as imagens ilustram o ritmo das músicas. A ironia também é expressa criativamente com o uso da música “Lovely Day” de Bill Withers em um dos melhores segmentos do filme.

Boyle Merchandising

Danny Boyle é um diretor único na atualidade se superando a cada trabalho realizado. Ele já começa seu filme dinamicamente ajudado pela edição fundamental de Jon Harris, dividindo a tela em três imagens paralelas, bombardeando o espectador com filmagens da correria cotidiana lotada de pessoas. E isso contrasta bem com a solidão de Aron durante o filme.

A propaganda é bem presente em seu filme, no começo, imagens de vários fast-foodsaparecem na tela e no meio, brinca criativamente com a publicidade fantasiosa e ridícula dos refrigerantes, tornando-a uma antagonista do filme, quase mais cruel que a rocha em si. Esse uso de dividir a tela em três aparece diversas vezes durante o filme. Mas, não se preocupe. Ela é feita competentemente sem confundir o público.

O tão polêmico segmento que todos falam é, sim, forte e Boyle não poupa o espectador do festim de sangue. Porém, ele realiza com rapidez deixando a cena com pouco mais de um minuto quando, na verdade, Aron demorou quarenta e quatro minutos para realizar o ato mórbido. Ele consegue criar uma atmosfera envolvente e emocionante familiarizando rapidamente o espectador com o protagonista.

A água é muito enfatizada em seu filme que poderia se chamar até de “Ode à Água”. Boyle gosta de filmar com closes a água movimentando-se de todos os ângulos possíveis e imagináveis, isso quando não entra dentro dela com a camêra em um movimento fantástico. Ele também sabe ilustrar bem as alucinações e desejos de Aron sem deixar o espectador perdido ou desapontado no meio dos devaneios. Fora isso, merece o destaque de conseguir transformar James Franco em um ator fora do normal.

127 Horas em 94 minutos

“127 Horas” é um filme surpreendente que traz uma história real de superação, força de vontade e desejo pela vida de uma forma completamente única. É bem forte e não é recomendado para sensíveis ou cardíacos, mas os que não sofrem de tais problemas e encaram o horror de frente, não deveriam perder por nada essa obra contemporânea do cinema e começar a olhar com outros olhos os programas sensacionalistas de sobrevivência transmitidos pela tevê a cabo. Apenas, prepare-se. Você vai participar de uma situação sufocante e única!

127 Horas (127 Hours, USA, UK – 2010)

Direção: Danny Boyle
Roteiro: Danny Boyle, Simon Beaufoy, Aron Ralston (Livro)
Elenco: James Franco, Kate Mara, Amber Tamblyn, Sean Bott, Koleman Stinger, Treat Williams, John Lawrence, Kate Burton
Gênero: Aventura, Biografia, Drama
Duração: 94 min.

https://www.youtube.com/watch?v=ivp3I_8shRg&ab_channel=127horas

by Matheus Fragata

Crítica | Bravura Indômita (2010)

A partir do século XIX, junto com a iniciativa governamental de Thomas Jefferson, o tão chamado “velho oeste” foi o palco da expansão da fronteira dos EUA, local onde ocorreu o maior genocídio indígena da história. Visando o lucro, assim como zumbis, fantasmas e super-heróis, os cowboys não demoraram muito para serem endeusados pelo sensacionalismo do cinema, em especial, o de Hollywood. Após muitos filmes western spaguetti, especialidade de Clint Eastwood, os irmãos Joel e Ethan Coen lançam sua versão de Bravura Indômita para o público e ainda arrancam dez indicações ao Oscar.

Mattie Ross é uma garota de quatorze anos completamente destemida e está à procura de vingança. Um homem chamado Tom Chaney assassinou a sangue frio seu amado e querido pai. Para vingar-se, Mattie contrata o caçador de recompensas Rooster Cogburn, um homem de bravura indomita. Prestes a partir para o perigoso território indígena, encontram outro homem, um texas ranger, LaBoeuf que oferece ajuda já que ele também procura Chaney.

Explorando territórios explorados

O roteiro de Joel e Ethan Coen adapta fielmente o filme clássico de 1969 e consegue ser um retrato distinto da sociedade da época do velho oeste. Relembra superficialmente o preconceito existente contra negros e índios e a falta de argumento das mulheres sempre desrespeitadas.

Apesar de a trama ser interessante e cheia de reviravoltas, existe algumas falhas. Os diálogos são muito bons e cativam por sua qualidade, mas podem ser demasiadamente maçantes para alguns espectadores. Também existe um problema na falta de sensação de desenvolvimento na jornada dos três personagens, sendo que o desfecho ocorre muito ao acaso e quando acontece, não causa o impacto esperado. Infelizmente, com um universo tão amplo como o faroeste, o roteiro desaponta ao não reapresentar ao público os lendários duelos de pistolas, as confusões e tiroteios no saloon e os clássicos assaltos as carruagens e bancos.

A caracterização criada para os personagens é incrível e marcante. Todos se lembrarão de Cogburn com seu tapa olho e sua mira imprevisível e de LaBoeuf com suas botinhas cheias de sininhos e sua matraca dispare daqui a alguns anos. O humor quase raro no roteiro é existente, porém quando vem é recheado de sarcasmo e humor negro – aquele que todos moralistas “adoram”. Por exemplo, a tragicômica cena dos enforcados.

Bad Bridges

Jeff Bridges realmente encarnou Cogburn durante sua célebre atuação, tanto que conseguiu livrar-se de seus tiques nojentos como suas fungadas bizarras em Tron: O Legado e Coração Louco. Seu personagem é um dos mais legais do filme, assim como sua atuação divertida. Ele é o cara mais bad ass e machão de toda história do gênero, sempre bêbado e pronto para atirar em alguém, porém com um lado sensível que desconhecia. O maior destaque de sua atuação, além do seu andar e de seu jeitão irreverente, é o trabalho com o sotaque que ficou absolutamente perfeito e condizente com seu personagem.

Matt Damon ficou novamente desmerecido no Oscar este ano porque LaBoeuf é um personagem cativante. Ele atua sempre com certa petulância visto que seu personagem é um texas ranger – um posto de luxo para os militares do Texas na época. O sotaque é uma característica diferenciada em todos os personagens, por isso citarei como ele se comporta com cada ator. No caso de Damon, o sotaque de LaBoeuf é legitimamente texano, cheio de curvas, ríspido e um tanto lento, porém ele consegue torna-lo em algo completamente elegante.

A novata Hailee Steinfield nunca havia protagonizado um longa metragem, e, logo de cara, participa de um projeto milionário com dois atores formidáveis e um pouco intimidantes, mas mesmo assim ela conseguiu que não ofuscassem sua presença. Com a marcante característica da teimosia, ela sustenta sua personagem e desbrava seu talento. Novamente, aqui acontece um sotaque diferente dos outros dois, ela cria uma fala rápida e tipicamente caipira.

Infelizmente, Josh Brolin não teve tempo de mostrar seu valor durante o filme – acredito que ele apareça apenas trezes minutos no longa. Graças a isso não é possível associar aquela dimensão de vilania criada pelo roteiro com o personagem devido sua breve aparição. Um ator que provou sua competência e seu timing foi Barry Pepper interpretando o caricato Lucky Ned, esse sim pode assumir o posto de antagonista principal do filme, sabendo medir seus níveis de crueldade.

Novas paisagens às terras desconhecidas

O diretor de fotografia, Roger Deakins, já foi indicado nove vezes para o Oscar e, por algum infortúnio do destino – ou da Academia –, nunca conseguiu por as mãos em um. Isso já dá uma dimensão de sua genial fotografia, afinal nove indicações não são para qualquer um.

Aqui, ele redimensionou suas cores na tela para o amarelo meio bege, o azul claro da noite, branco capturado da neve e, de vez em quando, um tom esverdeado. Também utiliza vários planos clássicos do gênero do velho oeste – planos americanos e conjuntos. O vazio ou o nada da paisagem hostil é utilizado diversas vezes em seus planos abertos. Inserindo os três personagens nesse meio, transmite uma dimensão impactante da solidão e também do perigo que eles vivem. Fora isso, gosta de trabalhar com silhuetas dando um resultado original e interessante ao filme, sendo que o segundo melhor plano que vi na minha vida é resultado do uso dessas silhuetas – espere até a cena da última cavalgada para entender do que falo.

Não é à toa a indicação ao Oscar de melhor direção de arte deste ano. Realmente, o resultado é fantástico. Toda a cidadezinha onde ocorre a primeira parte do filme é recriada com extrema perfeição em todos os aspectos. Até mesmo nos objetos, papéis de parede e claro, o belo figurino detalhado completamente condizente com a época.

O destaque ficou para outro

A música, quando aparece, é boa. Conseguem casar com as cenas e principalmente com a época do wild west. Em especial a primeira música do filme, “The Wicked Flee” é marcante graças à composição feita pelo piano. É interessante citar que as outras composições do filme são apenas variações deste tema alternando o ritmo e os instrumentos. Apesar de a trilha ser composta por Carter Burwell, Iris DeMent marca sua presença com a melhor música da película “Leaning On The Everlasting Arms”.

Entretanto, mesmo com a música muito bem trabalhada e agradável, são os efeitos sonoros que realmente impressionam e indicados ao Oscar – Mixagem e Edição de Som. O melhor exemplo que posso dar de como são bem feitos, são os sons abafados dos tiros. Existe uma cena que Bridges anda até uma aparente mina de carvão e atira para dentro dela. É ali que acontece o melhor efeito sonoro do filme inteiro onde o som da bala reverbera nas imperfeições da mina enquanto se distancia.

The proud of Sergio Leone

Os irmãos Coen já haviam explorado o faroeste antes com o seu neowestern Onde os Fracos Não Têm Vez. Como esta versão de Bravura Indômita é uma refilmagem do filme de 1969, eles quase se viram de mãos atadas por não deixarem suas características na sua versão.

Entretanto, conseguiram o ultrapassar a barreira psicológica e alterar o inalterável. Suas marcas estão lá, uma delas o absurdo e o inusitado – o homem-urso montado em um cavalo. A violência relâmpago também aparece.

Eles sempre foram uma dupla de diretores que valorizam muito a atuação de seus atores e seus esforços realmente dão um belo resultado conseguindo criar uma harmonia perfeita entre seus atores. Um trabalho tão bom quanto o de Sergio Leone na direção de Três Homens em Conflito. Fora isso, a dupla consegue criar uma atmosfera envolvente e profunda de tão detalhada e caracterizada.

Mais uma vez no oeste

Bravura Indômita é um ótimo retorno ao mundo caricato do faroeste e consegue consagrar novamente o gênero que andava esquecido. Apesar de parecer parado e monótono, vale a pena pelas belas atuações, suas alegorias técnicas e a direção dos Coen que fica cada vez melhor. Eles provaram não serem necessárias oitocentas mil balas para fazer um ótimo filme de velho oeste.

Bravura Indômita (True Grit, EUA - 2010)

Direção: Joel Coen e Ethan Coen
Roteiro: Joel Coen e Ethan Coen, baseado na obra de Charles Portis
Elenco: Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Domnhall Gleeson, Barry Pepper, Dakin Matthews, Paul Rae, Elizabeth Marvel
Gênero: Faroeste
Duração: 111 min

https://www.youtube.com/watch?v=qIJ4OJ1wH3o

by Matheus Fragata

Crítica | A Árvore da Vida

“Haja Luz”, disse Deus no primeiro dia da criação de todos os seres do Universo. No sexto dia, Deus cria o homem a partir do nono comando. “Façamos o homem à nossa imagem, conforme a nossa semelhança: domine ele sobre os peixes do mar, sobre as aves do céu, sobre os animais domésticos, sobre toda a terra e sobre todo o réptil que se arrasta sobre a terra.” Logo após, o Criador recita outro comando direcionado aos homens, “Frutificai e multiplicai-vos, e enchei a terra e sujeitai-a(…)”. No sétimo dia, exausto pela sua magnífica criação, Deus descansa.

Tudo está bem para o homem. Adão caminha de pés descalços pelo solo verde e fértil aquecido pelos raios solares. Está protegido por Deus e nada é capaz de lhe fazer mal. O Criador permite que Adão desfrute de todas as maravilhas do Jardim Sagrado com exceção de somente uma. Deus proíbe que o homem chegue perto da Árvore do Conhecimento do Bem e do Mal, pois possui o fruto proibido da morte. Adão obedece veemente a Deus e continua a viver harmoniosamente com todos os seres que habitam o paradisíaco Jardim do Éden. Porém, Adão possuiu um problema de comunicação com os animais. Então, eis que Deus cria Eva a partir da costela de Adão.

Adão e Eva estavam nus e não se envergonhavam disto. Adão explorou os arredores do Éden enquanto Eva era abordada pela serpente, o animal mais astuto do campo. Com suas palavras sibilantes e capciosas, o ardiloso ser convence Eva a tomar do fruto proibido da Árvore do Conhecimento. Convencida pelo argumento ganancioso de que iriam se tornar deuses após comer o fruto, Eva dispara ao encontro de Adão para contar as novidades. Adão, ignorante, não reluta a antiga tentação. Após uma mordida no fruto maldito, Adão e Eva percebem que estavam nus e se escondem nos arbustos. Deus percebe que há algo de errado e pergunta por que suas criações estavam com as vergonhas cobertas. Deus sabia que sua pergunta era retórica e a raiva lhe sobe o intelecto.

O tempo fecha, tudo escurece, os animais se agitam, a Terra treme com a ira do Todo Poderoso. Então, o Senhor procura o animal maldito. Encontrando-o, amaldiçoa a serpente ao posto de animal mais desprezível e a obriga a se arrastar e comer pó até o dia do Apocalipse. Depois, Deus pragueja violentamente contra Adão e Eva condenando-lhes ao trabalho pesado e as horríveis dores do parto. Depois de expulsar os homens de seu Jardim Sagrado, o Criador posiciona um querubim armado com uma espada de fogo na entrada do Jardim e ordena que destrua quem ousar adentrar em tal reduto. Adão e Eva lamentam-se pela terrível escolha que tomaram. Deus havia permitido que comessem do fruto da Árvore da Vida. A árvore que garantia a vida eterna.

Explode o Big Bang. Gases e fluídos se condensam em um processo natural para formar o nosso misterioso Universo. Bilhões de anos depois, os planetas tomam formas. A Terra ainda estoura em magma escaldante em sua atmosfera inóspita. Conforme o tempo passa, o planeta se acalma e resfria permitindo que a vida se forme. As bactérias surgem e começam a evoluir para as mais diversas e complexas formas de vida que conseguimos identificar e categorizar atualmente. Os seres começam a deixar o meio aquático. Os répteis conquistam definitivamente o meio terrestre, porém seu reinado é curto. Os grandes sauros são extintos assim que um meteoro gigantesco colide com a Terra devastando toda a biosfera. A vida, novamente, encontra outro caminho para ressurgir mais uma vez em uma atmosfera tóxica e vil. O pulo evolucional continua. É aniversário de morte do irmão de Jack. O homem de meia-idade ainda lamenta a perda e relembra dos queridos anos 50. Lar de sua juventude e de sua família texana, os O’Brien. Com seus pensamentos, Jack faz uma busca para confortar sua decepção. Em suas memórias, ele se reencontra com sua família e com seu irmão falecido em busca de sua redenção.

O choque de dois mundos

Terrence Malick escreveu uma breve história do universo intercalada com a narrativa da família O’Brien em seu emocionante roteiro. O roteirista e também diretor da obra, provou ser mestre em transmitir as várias mensagens de seu filme com poucos diálogos. Malick traz de volta a boa forma para o cinema que andava meio perdida com diversos lançamentos blockbusters semanais. Ele entende que o bom cinema é aquele que traz ótimas histórias sobre a humanidade de seus personagens.

A história evoca a natureza da mente humana de uma maneira bem subjetiva, mas muito interessante. O teor religioso da obra é elevadíssimo, assim como o natural. Malick divide muito bem esses dois opostos. A natureza é presente com o arco narrativo da formação do Universo e do nosso planeta. É fantástico o modo que o roteirista respeitou a linhagem temporal proposta pelos cientistas atuais a respeito da criação do Universo. Tudo começa com o Big Bang e continua a evoluir até os dias de hoje. Existe, sim, uma linearidade nesse segmento do filme. Isso é notável pela evolução dos seres aquáticos que começam a dominar o meio terrestre. Felizmente, esse segmento não ficou completamente alheio à trama majoritária do filme graças a proposta divina/natural da obra.

A aura religiosa encontra-se na história dos O’Brien. Malick transmite explicitamente os pensamentos de três personagens: o pai, a mãe e o filho, no caso, Jack. Graças a esta exposição dos sentimentos e dos ideais de cada um através de uma narração em off, Malick cria a oportunidade do espectador analisá-los psicologicamente. É aqui que o Id, o Ego e o Superego tomam forma absoluta na história cinematográfica, pois nenhum roteiro conseguiu encará-las em sua plena totalidade. Antes, vou explicar o significado destes termos nunca abordados antes em uma crítica do blog.

Freud propôs que a mente humana é composta por duas partes, a consciente e a inconsciente. O lado consciente apresenta apenas a porção superficial que temos sobre o nosso intelecto. Nenhum ser humano é capaz de analisar perfeitamente seu aspecto inconsciente de sua personalidade. Depois de alguns anos, Freud analisou novamente essa divisão entre o consciente e o inconsciente e criou os termos “Id, Ego e Superego” para defini-la com mais cuidado.

O id é a parte mais selvagem, primitiva e inacessível da personalidade. Sempre busca a satisfação imediata sem ter noção de seus atos. O id busca eliminar a tensão constante da busca pelo prazer. Ele contém a nossa energia psíquica mais básica da personalidade e como está sempre à procura de algo, é preciso de um mediador que controle os atos violentos que poderiam ser causados por uma pessoa que não consegue manter o equilíbrio de sua personalidade. O doente que tem o id em excesso é o psicopata.

O ego é o mediador das ações desreguladas do id. Ele consegue controlar os instintos primitivos da personalidade mantendo um equilíbrio teoricamente perfeito com as consequências do mundo externo, o mundo material. O ego representa a razão, o contrário da paixão irracional do id. Busca, também, o prazer, porém obedece aos princípios da realidade. Ele atinge o prazer ao encontrar o objeto apropriado para lhe satisfazer. O ego não existe sem o id, aliás, extrai suas forças dele. E luta constantemente contra o id para satisfazer as necessidades dos instintos mais primitivos do homem.

O terceiro componente da personalidade é o superego. Ele representa a moralidade e é desenvolvido desde o nascimento da criança. O superego é formado pela educação que o indivíduo recebe de seus pais. Distingue o certo e o errado, o bom e o ruim e cria os valores e a moral do intelecto da pessoa. Também estabelece uma relação entre a recompensa e a punição merecida proveniente de seus atos. De uma maneira mais simples, o superego é aquele lado que grita dentro da sua cabeça “não faça isso ou aquilo. Isso é errado!”. Ou seja, freia seus atos a fim de alcançar a perfeição do ser. A religião está diretamente ligada ao superego dependendo da educação do indivíduo.

Explicados os termos psicológicos, vamos a análise da segunda parte do roteiro impecável de Terrence Malick. Ele trabalha muito com metáforas e sugestões ao longo da narrativa. Entretanto, alguns aspectos prefere deixar bem explícito a fim de tornar sua obra relativamente fácil para todos os públicos. De início, Malick apresenta Mrs. O’Brien em sua juventude. Ele explica que a mulher teve uma criação religiosa o que define muito bem seu perfil bondoso e ingênuo. Mrs. O’Brien é um retrato da mulher dos anos 50. Religiosa, dona de casa e calma, uma pessoa que se preocupa apenas com a educação caseira de seus filhos. Ela é o ego perfeito. Aceita sua rotina e quase nunca transparece sua personalidade primitiva. Suas mensagens sempre relevam o amor e a religião e contam com um leve ar de didatismo. Fora isso, Malick faz uma crítica inigualável ao homem em relação ao modo que tratamos a natureza através da mensagem de Mrs. O’Brien.

Eis então que entra o autoritário Mr. O’Brien. Malick trabalha espetacularmente esse personagem. A personalidade do personagem é imprevisível. Ele é o ego que permite que o id comande por alguns momentos. Mr. O’Brien tem um discurso mais áspero, ganancioso e extremamente didático. Ele tem convicção no que faz e acha seus métodos eficazes, porém é cego pelo orgulho e não percebe que está criando uma atmosfera incômoda no relacionamento com seus filhos. A educação que o homem dá aos filhos é rígida, exigente e intolerante, mas ele não é um monstro. O’Brien só percebe que está extrapolando quando o meio externo atinge diretamente seu orgulho, seja com um abraço desesperado do filho ou com conflitos no trabalho.

O personagem também tenta se informar sobre tudo e todos para tentar reprimir um sentimento ignorante que é evidenciado apenas uma vez no filme. Além disto, o personagem busca constantemente ser gratificado por suas conquistas denotando uma grande necessidade de atenção e uma carência afetiva. Afinal, é um homem que carrega a decepção do “sonho americano” nas costas. Além disto, Mr. O’Brien é levemente hipócrita e invejoso. Ele não percebe que o dinheiro não traz, obrigatoriamente, a felicidade.

E o personagem mais rico do filme inteiro, Jack. O espectador acompanha a infância instigante do garoto e breves momentos de sua fase adulta. Malick trabalha com opostos ao apresentar o Jack adulto, amargurado e triste, e o Jack jovem, energético e amável. O psicológico dele é o mais trabalhado e interessante. Malick introduz questionamentos que todos nós fazemos através dos discursos de Jack. O personagem questiona os métodos suspeitos e cruéis de Deus e pragueja contra o pai.

Jack é o ego instávelem formação. Há momentos que o garoto precisa extravasar e liberar seu id. Porém, o arrependimento do ato realizado e o medo de suas consequências deixam o superego elevadíssimo. Assim, a ansiedade é uma característica constante no intelecto de Jack graças à tensão que seu ego recebe a todo o momento.

Ele sofre com a censura paterna e só tem liberdade quando seu pai se ausenta. Aliás, o conflito parental que Malick constrói é um dos melhores que já vi. Jack é um misto de paixões com a necessidade de explorar. Conforme a relação com o pai piora, ele fica mais agressivo. Suas brincadeiras passam a ficar mais perigosas e cruéis, porém, assim como seu pai, não é um monstro. O personagem também é carente e por ser jovem, não sabe lidar com a decepção, culpa e, principalmente, com a raiva. As traquinagens são uma válvula de escape para liberar todo esse sentimento preso. O garoto sente uma obrigação de descobrir um talento para agradar o pai, afinal, é o mais velho e é o “patinho feio” da família. Por isso, sente uma notável inveja de seu irmão que consegue se comunicar melhor com os pais. É interessante notar que Jack busca o perdão, porém não consegue perdoar os outros.

Com personagens tão bons, a história narrativa não poderia ser diferente. Malick trabalha com a vida e suas situações. O filme traz vários momentos que todos nós já vivenciamos e, consequentemente, o espectador sentirá uma nostalgia de sua infância, de seus pais, de seus amigos, de suas brincadeiras… A linearidade da história pode ser confusa para alguns, pois alguns segmentos não têm muita relação com o que o precede. Entretanto, isso é uma característica única no filme de Malick. A história é feita de memórias do protagonista e, por isso, elas não seguem uma linearidade expressiva. Afinal, nossos pensamentos não seguem nenhum padrão pré-estabelecido. O nome desta característica é “fluxo de consciência” e ela raramente aparece em filmes ou livros.

Praticamente nada escapa dos olhos atenciosos do roteirista. Ele, de fato, conseguiu realizar um breve resumo da vida e de suas paixões – em dado momento do filme, pensei: “Ele tem tudo!”. Porém, nem tudo é perfeito na escrita impecável de Malick. Existe uma versão do longa com a decupagem original com seis horas de material pronto. A versão dos cinemas tem apenas duas horas e vinte minutos. Obviamente, várias relações saíram prejudicadas por isto. É evidente que várias cenas receberam mais atenção na versão do diretor.

O primeiro amor de Jack é um exemplo perfeito disto. Fora isso, alguns personagens também não recebem nenhum aprofundamento. Steve, o irmão mais novo, é minimamente explorado. No fim do longa, senti que Malick conseguiu contar e transmitir a principal mensagem do filme. Mas tenho certeza que tinha muito mais ali a ser explorado.

A humanidade como ela é

O elenco de “A Árvore da Vida” é de cair o queixo. Todas as atuações possuem uma naturalidade inacreditável. Brad Pitt deixou seu semblante de galã há tempos. Ele tornou-se um sinônimo de qualidade, um ator excelente. O psicológico de Mr. O’Brien só fica explícito desta maneira por causa de sua atuação – é impossível imaginar o papel nas mãos de outro ator.

Pitt tem um ar severo no seu olhar. Carrega uma atmosfera tenebrosa enquanto contracena com as crianças. O espectador sente que a instabilidade temperamental do homem pode explodir a qualquer instante e fazer mal para as crianças. Entretanto, mesmo com essa atmosfera tensa nas cenas que acompanham o relacionamento do pai com os filhos, Pitt transmite subjetivamente que nunca seria capaz de fazer mal a sua mulher transpondo uma relação de respeito e amor.

“Os olhos são a janela da alma”, disse uma vez Leonardo da Vinci. E como ele estava certo. Os olhares de Brad Pitt transmitem todas as características do personagem, mas isto não torna Mr. O’Brien um homem superficial. É uma complexidade compreensível, um claro enigma. Uma antítese em movimento. Ao mesmo tempo em que Pitt molda olhares fascinados e apaixonados pela perfeição física de seu filho recém-nascido, também constrói expressões de extrema fúria e ira. O ator trabalha a característica instável do personagem muito bem ao longo do filme. Ele apazigua seu temperamento assim que percebe a amplitude de seu conflito com Jack.

A linguagem corporal do ator é outro espetáculo e também reforça o tom autoritário do personagem – repare como ele sempre aponta, ameaçadoramente, o dedo indicador quando corrige as atitudes de seus filhos. A atuação de Pitt é composta de vários acertos como a cena em que ensina seus filhos a lutar. Os únicos momentos em que o ator deixa as expressões preocupadas e autoritários são aqueles em que contracena com Jessica Chastain, Mrs. O’Brien.

Chastain encarna o espírito da maternidade com uma suavidade fantástica. Ao contrário do pesado Mr. O’Brien, Mrs. O’Brien é a leveza pura, o lado gracioso da película. A mulher conta uma beleza clássica para ajudar a construir sua personagem que não vê maldade nas atitudes naturais do marido. A atriz emana bondade e felicidade, mas também sabe construir expressões naturais de desconfiança. É incrível notar como Chastain incorpora o espírito da mãe. A linguagem corporal da atriz é expressiva. Em uma cena, foge da brincadeira dos filhos com movimentos estabanados e mornos explicitando que também estava se divertindo com as palhaçadas dos garotos. Mas também sabe assumir poses inquisitoriais. A feição levemente emburrada acompanhada com a pose em que ela coloca as mãos na cintura deixam claro o sexto sentido da mulher quando desconfia das atitudes de Jack.

O elenco mirim não compromete chegando até a surpreender em vários momentos. Hunter McCraken torna Jack O’Brien um personagem único. Como ainda é criança, a naturalidade de sua atuação é apenas uma consequência bem vinda. Não é exagero chamar a atuação deste moleque nada menos que perfeita. Repare como muda sua feição toda vez que Brad Pitt entra em cena ou quando ele o abraça. O incômodo é perceptível em sua face assim como na postura encolhida. Ele tem medo e ódio do pai. Até sua dicção chama a atenção do espectador quando ele discursa em off. Ao contrário de seu pai e de sua mãe, Jack sussurra para o espectador evidenciando a grande censura e retração que o personagem sofre. O garoto trabalha muito com sua expressão corporal. Uma criança nunca consegue mentir, seu corpo sempre diz a verdade que o cérebro tenta esconder. Quando Jack exagera nas suas brincadeiras ou faz mal a alguém, McCraken assume uma expressão torta, nervosa, assustada e curvada. O ator não deixa de impressionar a todo instante. Responde muito bem as cenas dramáticas e as cômicas – a cena que ele encarna o tom de Mr. O’Brian é impagável. O melhor de tudo é a sutileza do ator – nada fica caricato ou indigesto em seu personagem.

Laramie Eppler vive o irmão do meio da família O’Brien. O ator cria uma figura misteriosa, amável e bondosa para o personagem que se assemelha muito com a mãe – ao contrário de Jack, parecido com o pai. Sean Penn detonou o filme em algumas entrevistas. A causa disto deve ter sido seu tempo curtíssimoem tela. Penn trabalha muito com olhares desolados e melancólicos com uma feição que pouco varia. Penn trabalha poucas vezes com sua linguagem corporal. Somente duas vezes ela se torna relevante. Uma, quando o personagem tem uma dificuldade absurda ao atravessar uma porta no limbo de suas memórias – a porta representa o perdão, a anistia, a redenção espiritual de Jack. E outra, quando Penn cai de joelhos, exausto e estupefato, por ter conseguido encontrar a memória que tanto procurava. Ou seja, a atuação de Penn é composta de metáforas e significados. Porém, não deixa de ser decepcionante não conhecer um pouco mais do personagem em sua fase adulta – novamente a decupagem cinematográfica comprometeu alguns segmentos do filme.

A pintura feita de luz

Emmanuel Lubezki é o diretor de fotografia de “A Árvore da Vida”. É a segunda vez que o cinegrafista trabalha com o antissocial Terrence Malick. A característica mais gritante da fotografia de Lubezki são os opostos cheios de significado que cria no início da projeção. Primeiro, o cinegrafista apresenta os saudosos anos 50 estadunidenses. As cores são saturadas e o verde de sua paleta, exuberante ao extremo. Logo depois, o espectador é jogado no mundo atual. Lá, os tons assumem cores metálicas, pálidas, monocromáticas e completamente sem-graça. O verde, que preenchia a tela nas cenas anteriores, desaparece. E os tons cinzentos reinam absolutos. O branco, que representa o vazio no caso, também é muito presente nos segmentos que acompanham Jack já envelhecido.

Com isso, Malick e Lubezki criam uma aura nostálgica, viva e mística para o passado. E o presente fica retido apenas no trabalho exaustivo. Os homens deixaram o altruísmo e abraçaram o egoísmo. Não vivemos mais pelos outros, mas sim pelo trabalho. Pelo nosso próprio ganho e mérito. Apenas com as cores certas, Lubezki consegue criar várias críticas ao mundo contemporâneo.

Raramente o cinegrafista se encontra limitado aos tons azulados e amarelados tão comuns nos filmes atuais. Quando trabalha com essas cores, insere-as no segundo ou no terceiro plano criando contrastes entre elas. E é criativo ao criar esses contrastes. Tome o seguinte plano como exemplo: quando Jack espiona a briga dos vizinhos, nota-se que as paredes exteriores da casa recebem tons azulados. Já no interior do cenário, os tons são predominantemente amarelados. Assim, além de inserir o contraste belo, Lubezki adiciona uma ilusão de profundidade exemplar.

O mundo cheio de vida do passado também conta com outro grande manejo de iluminação de Lubezki. O cinegrafista e iluminador pinta obras de arte em movimento com sua luz incidente. A artística incidência é a mais natural que já presenciei. Ele a incide no cenário e nos atores de maneira levíssima permitindo uma modelagem de sombras peculiar e mais atenciosa. Com o auxílio de cortinas, Lubezki consegue suavizar a luz natural do Sol nas cenas internas diurnas. O fotógrafo também gosta de trabalhar diversas vezes com projeções de sombras muito inspiradas.

Lubezki também dá significado em técnicas que acabaram banais no cinema hollywoodiano. O efeito contraluz é bem expressivo em sua fotografia e a partir dele, consegue moldar silhuetas impecáveis. Outro manejo de iluminação muito inspirado são os flashes de luz que aparecem apenas uma vez durante o longa. Lubezki mimetiza a iluminação típica de faróis. Ou seja, a luz percorre todo o cenário permitindo uma modelagem de sombras fantástica. O truque adiciona uma teatralidade inestimável para a cena. Os reflexos também são inspiradíssimos.

Entretanto, a técnica de Lubezki não se resume apenas a iluminação. Ele usa diversos tipos de lentes para capturar as imagens. Em vários momentos do filme, utiliza um recurso chamado deep focus. Assim, deixa algumas imagens completamente nítidas sem nenhum desfoque. Perceba que em todas as cenas diurnas, interiores ou exteriores, a presença do Sol causa uma superexposição de luz belíssima. Graças a isto, o cinegrafista encontra oportunidade de aproveitar artisticamente, a refração de suas lentes. Malick usou três casas para filmar as cenas interiores. Fez isso para que a luz do sol sempre incidisse diretamente no cenário. O manejo do diafragma das lentes é igualmente bem feito. Isso é perceptível em um plano que mostra R.L. tocando violão na varanda. Repare que assim que a câmera se aproxima do garoto, Lubezki abre o diafragma constituindo uma atmosfera espiritual para a cena.

Douglas Trumbull é o responsável pelos magníficos efeitos visuais do longa. O homem estava afastado desta área cinematográfica por trinta anos e seu retorno não poderia ter sido melhor. O primeiro trabalho em efeitos visuais de Trumbull foi “2001: Uma Odisséia no Espaço” e muitos sabem que esse aspecto do filme é fantástico, aliás o filme inteiro é. O melhor de tudo isto? Trumbull criou a maioria dos efeitos visuais de “A Árvore da Vida” com o auxílio mínimo de computação gráfica – ele utiliza apenas para compor profundidade na imensidão negra com poeiras cósmicas virtuais.

Trumbull criou toda a exuberante sequência da criação do Universo com líquidos, fluidos leitosos, pós-coloridos, tintas, químicos, soluções fosforescentes, flares, CO2 e luz, muita luz. As formas geométricas abstratas feitas para a cena são belíssimas. É a harmonia no meio do caos. As hipnóticas imagens criadas são a noção perfeita da Gestalt. Tudo é belo, cósmico, espiritual, físico, colorido e cheio de textura nesta sequência. Para gravar essas cenas, Lubezki utilizou câmeras especiais com zooms ópticos gigantescos, além de contar com uma velocidade de captura aceleradíssima. O espetáculo da computação gráfica acontece nas cenas que envolvem os dinossauros.

Quando um compositor não basta…

A música original do filme foi composta pelo competente Alexandre Desplat. É difícil perceber o que é trilha original e licenciada no meio das diversas músicas do filme. Entretanto, após escutar pela internet, reconheci quais eram as músicas de Desplat. Novamente, o compositor explora notas repetidas no piano – isso aconteceu na trilha de “O Discurso do Rei”. O piano é o instrumento mais expressivo em várias composições. É importante ressaltar que algumas músicas assumem um tom muito ameaçador através dos acordes graves e lentos dos violinos.

Na verdade a trilha do longa é muito parecido com a de “O Discurso do Rei”. Essa característica de repetir escalas, tons e notas é constante nas músicas do filme. Elas são bem tranquilas e sempre contam com um fundo musical constante de violinos. Várias são cíclicas e bem monótonas explicitando o clima pacífico dos anos 50. Às vezes, Desplat utiliza harpas para fugir da mesmice. Em suma, a trilha original não surpreende e é bem calma. Entretanto, a música de Desplat não chega nem perto da qualidade da trilha licenciada composta de inúmeras composições clássicas.

Desplat e Malick selecionaram músicas imperdíveis para a trilha sonora licenciada. São inúmeras as composições, entre elas “Funeral Canticle”, de John Tavener; “Lacrimosa”, de Zbigniew Preisner; “Siciliana Da Antiche Danze Ed Arie”, de Ottorino Respighi; “Hymn to Dionysu”, de Gustav Holst; “Má Vlast Moldau (Vltava)”, de Bedrich Smetana; “Symphony No. 4 em E menor”, de Brahms; “Lês Barricades Mysterieuses”, de F. Couperin; “Toccata e Fuga”, de Johann Sebastian Bach; “The Well Tempered Clavier”, de Johann Sebastian Bach; “Requiem – Agnus Dei”, de Hector Berlioz, entre outros.

Transcendendo Malick

Terrence Malick é conhecido por ser desconhecido. O diretor é completamente misterioso e existem pouquíssimas fotos dele. Ele não aparece em eventos nem para ser premiado. O cara é completamente antissocial. Não se importa se gostam dele ou não e tampouco se gostam de seus filmes, mas a verdade é esta, ele faz cinema como ninguém.

Sua obra bate de frente em termos de genialidade com a obra-prima de Stanley Kubrick “2001: Uma Odisséia no Espaço”. Obviamente, Malick não conseguiu atingir o nível de sacadas brilhantes que Kubrick atingiu em seu longa, mas chega perto – na minha opinião, a melhor sacada da história do cinema é o salto evolucional do osso para o espaço que Kubrick esculpiu num belo slow motion. As sacadas de Malick são mais humanas e observadoras. Isto é claro quando filma a oscilação débil de um balanço acompanhada de um movimento genial de câmera – Malick maneja sua câmera como ninguém. Os movimentos são fantásticos. Outro exemplo é quando filma as sombras das crianças brincando na rua.

Quem conhece as obras antigas de Malick – quatro longas no total – sabe que é um diretor que ama filmar paisagens e a natureza. Primeiro, Malick explora várias cores com imagens estonteantes da criação do Universo e da Terra – aqui a contraluz é ainda mais expressiva. Se Kubrick preencheu seus devaneios cômicos com “Danúbio Azul” de Richard Strauss, Malick enche os ouvidos do espectador com “Lacrimosa” de Zbigniew Preisner enquanto filma supernovas e nebulosas. Tudo é mágico no filme de Malick.

A água aparece diversas vezes nas imagens da natureza. A vida só existe por causa da água e o diretor realça isto em excesso. Malick filmou a natureza de todas as maneiras possíveis — em tomadas submarinas que capturam a majestosa formação das ondas e a dança das algas impulsionada pela correnteza fluvial, em tomadas aéreas que esbanjam a dimensão grandiosa da paisagem e em tomadas terrestres que mostram a terrível fúria da natureza que supera a fúria do homem. O diretor gosta de trabalhar com abordagens filosóficas ao inserir diversas vezes a imagem de um rio ao longo do filme. Todos nós conhecemos ou estudamos o famoso provérbio de Heráclito, “Nós não podemos nunca entrar no mesmo rio, pois como as águas, nós mesmos já somos outros”. Aqui a imagem é recheada de significado.

Por que Malick abordou a criação do Universo em sua obra? Ora, isso é simples de responder. Imagino que o diretor quis criar um paralelo entre os arcos que acompanham a infância de Jack com a infância do Universo. Ambos são explosivos, intolerantes e ansiosos para começar a viver sem que algo os limite ou censure. As metáforas são outro aspecto muito relevante de “A Árvore da Vida”. Seja nas rápidas imagens dos palhaços ou da figura misteriosa do homem no sótão, o diretor sempre levanta questionamentos e interpretações para todos os espectadores.

O teor religioso é elevadíssimo como havia escrito na parte do roteiro. Malick questiona Deus e seus métodos e, principalmente, a fé dos homens. Entretanto, não deixa de responder seus próprios questionamentos. Seja no dinossauro misericordioso que poupa a vida do outro ou no desfecho onde todos os personagens aprendem a perdoar – até Mrs. O’Brien perdoa Deus. Aliás, Malick mostra a divindade diversas vezes no decorrer do filme através de uma figura misteriosa, quente, abstrata e bela. Repare que quando a imagem aparece, Malick remove a sonoplastia da cena deixando tudo em um breve e profundo silêncio a fim de causar um momento de reflexão para o espectador.

O diretor também sabe aproveitar as técnicas disponíveis para tornar seu filme ainda mais envolvente. Malick é criativo ao utilizar o time lapse e ao filmar as diversas árvores que aparecem no filme – sempre de baixo para cima –, lembre-se que é assim que você vê uma árvore. Apenas uma vez, o cineasta filma as árvores com um ângulo diferente.

Outra comparação que Malick cria é bem interessante. Repare que com distorções de lentes, o diretor deixa os arranha-céus ainda mais altos. Com isso, o cineasta deixa subentendido que, no passado, os objetos mais altos do mundo eram feitos pela paciente modelagem da natureza e não pelas mãos apressadas do homem.

O filme de Malick é sinestésico, ou seja, mistura sensações físicas. O tato é a sensação mais explorada pelo diretor. Os personagens sempre estão em contato com alguma coisa. Seja no abraço quente da terra, no toque refrescante da água, na textura áspera da rocha, na suavidade da grama, etc. Outro trabalho exemplar de Malick é a construção dos personagens. Seu envolvimento com o elenco é tão bom que o público cria uma empatia fortíssima com os personagens. A plateia se preocupa com os garotos e com o futuro da família O’Brien. Aliás, o diretor lança sugestões a todo instante deixando o espectador tenso e curioso em descobrir o desfecho da cena ou do conflito. Malick entende que uma imagem vale mais que mil palavras, mas acho que não captei bem a mensagem ao escrever este texto.

Mas e a tal “Árvore da Vida”? Ela aparece no filme? Sim, surge rapidamente no desfecho do longa. Ela é visível em terceiro plano e a imagem dura apenas alguns segundos. É frágil, escondida e pequenina. Exatamente como algo precioso deve ser. O mais interessante disto tudo é que nenhum personagem percebe sua existência em meio à cena. Ali, o homem não tem ganância. Ali, tudo emana bondade. Ali, o altruísmo e o amor vêm em primeiro lugar.

Ode à vida

Estamos encarando o melhor filme do ano ou talvez da década ao assistir “A Árvore da Vida”? Sinceramente, não sei responder. O filme é excelente e repleto de simbolismo. A mensagem é inspiradora e bela. A fotografia é uma das mais bonitas que já vi e a música toca a alma. Entretanto, este longa é uma experiência completamente pessoal. Existem pessoas que não sentirão nada ao assisti-lo, mas outras acharão outro significado para sua existência. Eu não tive uma crise de existencialismo no meio do filme, mas o achei um entretenimento de primeira qualidade. Ele explora sua inteligência e suplica para que você o interprete. Até mesmo ateus podem gostar do longa, apesar de seu cunho religioso. O que tenho certeza sobre este filme é que estamos encarando uma obra de arte. Difícil, lenta e confusa, mas nunca deixará de ser uma obra-prima lindíssima. Ame ou odeie, mas Terrence Malick provou ser um diretor de extrema precisão.

A Árvore da Vida (The Tree of Life, EUA – 2011)

Direção: Terrence Malick
Roteiro: Terrence Malick
Elenco: Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn, Tye Sheridan, Hunter McCracken, Fiona Shaw, Kelly Koonce, Laramie Eppler
Gênero: Drama
Duração: 139 min

by Matheus Fragata

Crítica | Invasão do Mundo: A Batalha de Los Angeles

Já é longo o antigo romance da raça humana com os alienígenas. Seja na fantasia ou na realidade, eles sempre despertam um enorme fascínio para nós, afinal são o segundo maior mistério de nosso Universo cheio de segredos. E logo em um piscar de olhos o desconhecido tornou-se o inimigo interplanetário número 1 dos humanos no cinema. São raros os casos em que são tratados como bonzinhos, vide “Cocoon” e “E.T. O Extraterrestre”. Entretanto, os que mais se dão bem nas bilheterias são aqueles que os abordam como invasores, como este filme.

Los Angeles está sitiada. O pânico e o pavor dominam as ruas. O governo age rápido manobrando o exército inteiro da terra hollywoodiana contra a ameaça desconhecida. O sargento-ajudante Nantz recebe a missão de resgatar civis em um D.P. antes que a força aérea exploda Santa Mônica com os ETs malignos. Porém, no meio de tantas correrias, seu esquadrão revela-se ser a única esperança de retomar Los Angeles dos invasores.

Até que a morte nos separe

O roteiro de Christopher Bertolini tenta de todas maneiras criar vínculos emocionais entre o público com seus personagens maçantes, a ponto de até inserir o nome de cada no canto da imagem enquanto apresenta um a um os estereótipos dos mocinhos clichês: o “pai em breve”, o “prestes a casar”, o “novato – prove seu valor”, além do originalíssimo “sargento – estou velho demais para isso”. Isto foi um esforço completamente desnecessário, pois quando algum personagem morre fica difícil de lembrar de quem realmente se trata. Após esta perda de tempo, finalmente insere os ETs em uma história que você já viu e terá de rever.

Quando a enrolação sentimentalista acaba, o roteirista finalmente apresenta os vilões. Bertolini escolheu uma narrativa interessante em que o espectador acompanha os militares em ação sem desfocar deles em nenhum instante. Entretanto, isto prejudicou muito a participação dos alienígenas durante o filme. Ironicamente, aparecem raramente e sempre distantes, ou seja, é praticamente impossível vê-los em detalhes graças a escolha do roteirista. Por causa disto, quase nada é explicado sobre a origem dos seres, apenas que eles vieram detonar o mundo por uns galões d’água, que possuem uma hierarquia social e uma complexa rede de combate. Para os olhos atentos, também é possível perceber que também têm uma linguagem de gestos nas batalhas.

Mas nem tudo é uma desgraça no previsível roteiro de Bertolini. Torna-se bem criativo nas diversas maneiras de matar os invasores e nas proezas de batalha que os protagonistas realizam. Resumindo, a história que escreveu é extremamente patriótica, repleta de diálogos sentimentalistas, adora se autoexplicar e descrever o que acontece na tela. Tem também muitas frases de efeito e, infelizmente, inconclusiva com o resto do Planeta visto que os aliens invadiram vinte países e ele só finaliza a luta em L.A. deixando um grande ponto de interrogação na cabeça do espectador.

Harvey One-Face

O maior destaque do elenco é, sem duvida alguma, Aaron Eckhart, mas isso não significa que sua atuação fora de outro mundo. Eckhart se manteve com somente uma expressão de boca torta o filme inteiro tornando seu personagem apático e desinteressante. Ele não se esforça em nenhum momento para destacar seu personagem dos demais colocando em questão a escolha suspeita do posto de protagonista.

E adivinhem so quem fez o papel de Maria-macho/homem da história novamente? Sim! Michelle Rodriguez reprisando sua especialidade e entregando a mesma porcaria de atuação que todos já cansaram de ver. Até mesmo suas frases já soam familiares. O único que consegue expressar algum drama no fim do mundo é Michael Peña incorporando o civil Joe Rincon, praticamente o único personagem que desperta o interesse do público, além dos aliens. Noel Fisher, Ne-Yo, Cory Hardrict e Ramon Rodriguez completam o elenco divertindo de vez em quando.

Seguindo tendências

A fotografia de Lukas Ettlin é acima da média. Predominantemente bege-amarelada – a iluminação favorita de guerras contemporâneas –, começa muito mal utilizando indevidamente a técnica da “câmera nervosa”. Depois quando o circo começa a pegar fogo, o efeito fica bom e casa com as cenas transmitindo todo o nervosismo e medo dos personagens, além da ação incessante. As câmeras que filmaram o longa também são de um tipo especial. Trata-se de filmadoras 4K, aquelas que têm uma resolução de 4000 pixels. Isto conferiu uma resolução e nitidez monstruosa para o filme deixando as imagens mais belas e polidas.

Ele também trabalha com referências ao mundo dos jogos – alguns de seus movimentos de câmera lembram muito o game “Call of Duty”. Fora isso, consegue entregar planos abertos, auxiliados pelos efeitos visuais eficientes, magníficos mostrando toda a impactante destruição de L.A. Muitas vezes, sua fotografia remete a de “Guerra ao Terror”, principalmente quando joga poeira em suas lentes ou quando captura com belos closes as cápsulas de balas caindo em um inteligente slowmotion.

Os efeitos visuais e a direção de arte também acompanham a qualidade fotográfica do filme. Um realiza com maestria o trabalho de destruir digitalmente L.A. e criar alienígenas bem modelados, enquanto o outro se consagra na reprodução do cenário destruído e sujo do departamento de polícia.

A música que salva Los Angeles

Brian Tyler é um compositor perito em fazer trilhas de ação consagrando-se no gênero. Aqui a história não podia ser diferente, mas suas músicas inspiradas evidenciam seu melhor trabalho até agora. Ao mesmo tempo em que faz músicas para encher os ouvidos e energizar o espectador nos tiroteios, consegue compor outras que soam com um tom épico patriótico desde a primeira nota se assemelhando muito a hinos. Várias vezes essas músicas conseguem elevar o ânimo do espectador conseguindo conferir um entusiasmo bom de sentir – eu sou meio suspeito de escrever esta frase, visto que sempre tenho uma satisfação pessoal e uma euforia exagerada em ver esses malditos ETs voando pelos ares. Tenho que admitir que me contive várias vezes para não sair gritando calamidades no cinema.

Os efeitos sonoros também são surpreendentes. Eles ajudam muito a envolver o espectador na atmosfera do filme e a conferir vários sustos graças à imprevisibilidade dos tiroteios, além de explicitar a importância da audição na sobrevivência dos soldados.

Mudança de hábito

O diretor Jonathan Liebesman é bem conhecido no gênero do terror – dirigiu “O Massacre da Serra Elétrica: O Início”, entre outros. Graças a experiência obtida em seus projetos passados, conseguiu criar um clima interessante cheio de sustos que, embora previsíveis, são, na maioria das vezes, eficientes.

Ele possui uma mania de dirigir muito parecida com a do sempre exagerado Michael Bay. Ou seja, em todas as cenas de ação existe um certo gigantismo e várias explosões atômicas, além da mania patriótica ilustrada pelos feitos macgyverianos de seus soldados. Sua edição é extremamente frenética lotada de cortes rápidos com incontáveis planos em apenas uma cena. Isto de inicio é muito bom deixando a fita bem dinâmica, porém depois de uma hora desse “pisca-pisca” de imagens, o filme começa a apresentar sinais de desgaste e conferir um cansaço visual para o público tornando-se razoavelmente maçante. Seu trabalho com os atores dispensa comentários – pareceu que ele se importou mais com os aliens gosmentos do que com as emoções transmitidas pelo elenco.

Entretanto, há um elemento muito interessante em sua direção que foi pouco explorado. Ele se arriscou a adicionar elementos corriqueiros no meio da ação desenfreada e isso deixou seu trabalho um pouco mais original. Os melhores exemplos que posso dar onde esses elementos aparecem são as cenas da piscina, da lavanderia e do ônibus – estas citações não comprometem de forma alguma a surpresa.

Invadindo o mundo

“Battle: L.A.” é uma tentativa de desafogar o tema decadente de invasão alienígena. Tecnicamente o filme é bem trabalhado acompanhado de uma música ótima, mas sua essência é clichê e previsível. Definitivamente é um filme que vale muito a pena de assistir se você adorar cenas de ação hipertensas lotadas de tiroteios com alienígenas, mas vá convencido que você já sabe a história inteira. Agora só resta esperar “Super 8”, de J.J. Abrams, para ver se, enfim, o gênero decola novamente.

Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles (Battle Los Angeles, EUA – 2011)

Direção: Jonathan Liebesman
Roteiro: Christopher Bertolini
Elenco: Aaron Eckhart, Ramon Rodriguez, Will Rothhaar, Cory Hardrict, Jim Parrack, Noel Fisher, Michelle Rodriguez, Michael Peña
Gênero: Drama, Ficção Científica
Duração: 116 min

by Matheus Fragata

Crítica | Quero Matar Meu Chefe

Milhões de temas essencialmente humanos já foram explorados pelas histórias fantásticas criadas pelo cinema. A comédia abraça as ideias rejeitadas por outros gêneros. Imaginar o assassinato de seu chefe deve ser uma prática recorrente de inúmeros profissionais ao redor do mundo. Diversos são os filmes que abordam esse desejo ilícito do homem de maneira bem-humorada. “Como Eliminar Seu Chefe” de 1980 e “Como Enlouquecer Seu Chefe” de 1999 são exemplos disto. O violento crime também já viu sua glória cinematográfica com “Vida Bandida”, “Matadores de Velhinhas”, “Meu Vizinho Mafioso” e “Um Peixe Chamado Wanda”. Agora, o tema volta com o interessante “Quero Matar Meu Chefe”.

Se você pensa que seu chefe é insuportável, calma! Você não conheceu ainda os de Nick, Kurt e Dale. Nick é o primeiro ao chegar ao trabalho por causa das ordens do tirano Dave Harken. Ele tem esperança de que Harken o promova a vice-presidente graças ao esforço tem dedicado nos últimos anos, mas isso prova não ser suficiente quando seu chefe se auto-promove assumindo os dois cargos. Kurt não tem o que reclamar de seu chefe. A relação entre eles não poderia ser melhor, mas tudo isto muda quando este, repentinamente, falece, deixando a empresa para seu filho, um imbecil viciado em cocaína. Dale trabalha como ajudante da dentista Julia. Seu maior sonho é ser marido e está de casamento marcado. Tudo seria mais simples se sua chefe tarada e ninfomaníaca não tentasse estuprá-lo a todo instante. Cansados dos abusos e humilhações que seus chefes os obrigam a passar, Nick, Dale e Kurt resolvem contratar alguém para assassiná-los. Eis que surge Mother Fucker Jones, o seu consultor de assassinato. Com o auxílio de MF. Jones, o trio encontra sua oportunidade de matar seus chefes.

Como Matar Seu Chefe

Michael Markowitz, John Francis Daley e Jonathan M. Goldstein entregam um humor bem diferente daquele apresentado por outras duas das comédias de peso deste ano – “Se Beber, Não Case: Parte II” e “Passe Livre”. Ele é muito menos escrachado e apelativo ampliando o possível leque de espectadores. Os roteiristas não falham nas piadas do filme. Elas são, sim, bem engraçadas e criativas. Além disto, mantêm um ritmo cômico surpreendente ao longo do filme – é difícil ficar sério muito tempo ao assistir o longa. Contudo, o maior trunfo do filme é o trio dos antagonistas. Estereotipados ao máximo como o idiota, o maníaco e a tarada, os chefes dos protagonistas não deixam de divertir o espectador.

Já o trio principal não chega a decepcionar, mas não são únicos como seus chefes. O roteiro pouco trabalha a personalidade deles e também o motivo real para desejar a morte de seus empregadores. O único que realmente possui um chefe insuportável é Nick. Aguentar Jennifer Aniston (Julia) te assediando todos os dias no trabalho não parece um pesadelo para mim. E aturar as piadinhas e as fobias idiotas de Bobby não é algo impossível. Logo, a inevitável pergunta pode surgir na cabeça do espectador – qual o verdadeiro motivo para matá-los? O mais inquietante disto é que esta pergunta poderia ter sido extinguida com o mínimo esforço. Infelizmente, o roteiro não desenvolve ou explora satisfatoriamente as barbaridades que os patrões cometem – o que é muito triste, pois o tema vale ouro de tão bom.

O mais interessante do roteiro é sua honestidade. Ele cita, deliberadamente, suas referências e inspirações admitindo suas limitações. “Pacto Sinistro” do eterno Hitchcock e “Jogue a Mamãe do Trem” influenciaram na construção narrativa do filme. Outra característica bem interessante que os humoristas fazem é o psicológico extremamente disperso e distraído dos protagonistas. Em diversas cenas, eles começam a discutir e acabam desviando do assunto principal da conversa. O protagonista que recebe mais destaque é Kurt. Em incontáveis vezes, os roteiristas inferem que personagem é preconceituoso e possivelmente, homossexual, apesar de ser o “garanhão” do trio.

Os roteiristas fazem do humor inusitado a melhor aposta do roteiro – “I’ve just broke a rock?!” é a melhor delas. As piadas fálicas e vários trocadilhos inteligentes marcam presença. Entretanto, algumas tiradas fogem da originalidade. Usar o recurso ultrapassado da morte idealizada na imaginação de Nick é um exemplo disto. O roteiro também decepciona por nunca criar um evento em que os três chefes se encontram. Outro problema, dessa vez por parte da tradução, são as legendas. Diversas piadas ficaram perdidas no meio delas por falta de esforço na adaptação. Quem for fluente em inglês entenderá melhor as piadinhas cheias de palavrões. O melhor exemplo disto é o personagem Mother Fucker Jones que teve seu nome traduzido para Ferra-Mãe. É curioso notar que a escrita deles tem um teor crítico. Através de um personagem, os roteiristas comentam, sucintamente, sobre a crise de 2008 e o desemprego gerado por ela. Fora isso, o roteiro é lotado de momentos imprevisíveis. Todavia, o desfecho do filme é decepcionante e um tanto implausível.

“Triming”

O elenco concentra-se nos trios de protagonistas e antagonistas. Jason Bateman continua a explorar as expressões de cansaço de “Coincidências do Amor” e “Maré de Azar” – começo a me perguntar se aquela é a feição normal dele. O comediante apresenta um timing cômico melhorado daqueles apresentados nos filmes citados. Ele possui a melhor veia humorística dos três. Consegue fazer o espectador com suas tiradas geniais apenas soltando sua fala na hora certa – “You think?”, “Oh Yeah” e “Oh Toyota…” são poucos exemplos de tudo que apresenta em cena. Às vezes, o ator varia sua expressão facial. Nessas horas, revela seu dom de construir boas caretas desconstruindo um pouco o semblante adulto do personagem. Jason Sudeikis não deixa de divertir, mas é difícil acreditar que um cara tão ordinário como ele fature tantas mulheres com suas cantadas. Ele apresenta uma gama mais variada de expressões, mas devo admitir que não acho esse ator o melhor comediante que há nesses dias. Por último, o incapaz Charlie Day, ou o ator com a voz mais irritante que você provavelmente já tenha ouvido. Sua dicção é extremamente aguda, estranha e esganiçada. Fora isso, Day tem a constante mania de gritar muito alto em diversas cenas. Agora imagine isso combinado com sua voz irritante mais o som do cinema. É um efeito de explodir seus tímpanos. Entretanto, seu timing também é extremamente preciso. Novamente, todos os três atores encontram espaço para improvisar em cena – o resultado é excelente.

O ouro fica por conta dos coadjuvantes. Kevin Spacey toma conta do filme com a caricatura de seu personagem desequilibrado. Spacey é completamente instável em cena tornando o completamente imprevisível. Ele incorporou o psicopata de uma forma interessantíssima variando a atmosfera de sua atuação com muita rapidez. Em apenas um cena, o ator varia o caráter cínico de Harken para um tom de deboche para então tornar o personagem muito ameaçador. Jennifer Aniston parece se livrar da maldição “Rachel” que a assola em diversos trabalhos, mas mesmo assim, algumas expressões são muito semelhantes a da “friend”. Sua personagem é bem diferente do que ela está habituada a fazer, mas ela surpreende com a ninfomaníaca Julia. Quem merecia muito mais tempo em tela era Colin Farrel com o impagável Bobby. Ele é um dos poucos atores que explora totalmente sua expressão corporal e facial para compor a unidade característica completamente retardada do personagem. Tudo em sua atuação esbanja idiotice. Suas cenas são, de longe, as melhores do filme. Destaque para os segundos exemplares do “epílogo”. Jamie Foxx é Mother Fucker Jones. Foxx também surpreende em seu papel com um timing muito bom – a cena que ele conta a origem de seu apelido é impagável. Foxx também não tem medo de explorar o lado ridículo de seu personagem quando faz diversas caretas enquanto toma um drinque através de um canudinho finíssimo.

Donald Sutherland, Bob Newhart, Julie Bowen, Celia Finkelstein, P.J. Byrne e Ioan Gruffudd completam o elenco.

Maldito paradigma

A fotografia de David Hannings é comum ao extremo, mas bem trabalhada. É inútil comentar sobre essa característica no filme, entretanto existem alguns tons que tem um significado em sua escolha. O cinegrafista não foge do ordinário ao optar em tonalidades frias, pálidas e levemente azul-acizentadas na iluminação do escritório em que Nick trabalha. O consultório de Julia recebe tons amarelados e na empresa química de Bobby o amarelo fica mais saturado. Assim o cinegrafista cria um dégradé interessante de tonalidades conforme o trabalho fica mais rústico ou manual.

Outra aspecto da iluminação que vale a pena comentar acontece nas cenas do bar onde os protagonistas se encontram com Mother Fucker. Lá, Hannings admite cores e incidências bem artificiais. A iluminação torna-se mais forte e variada contando com focos azuis, vermelhos, amarelos e violetas incidindo no cenário e nos personagens. As cores bem saturadas ajudam a arquitetar a atmosfera pesada do bar. Entretanto, são somente estes os pontos relevantes de sua fotografia. Mais uma vez, a triste história se repete: a fotografia de filmes de comédia raramente surpreende o espectador.

A direção de arte tem seus momentos de glória na composição da casa de Bobby. O cenário exacerba ainda mais a personalidade imbecil do personagem – é, definitivamente, “um museu do mau-gosto”. Ela consegue até criar umas piadas bem inspiradas – repare na plaquinha “Bobby Pellitt” na mesa do escritório de Bobby.

Clima de elevador

A música de Christopher Lennetz assume um tom típico de músicas-ambiente, semelhante àquelas que tocam em elevadores ou shoppings. A maioria das composições é bem dinâmica. Todas recebem um caimento elétrico com várias distorções inspiradas. A guitarra é muito presente em sua trilha, assim como baterias muito bem ritmadas acompanhadas de saxofones ou trompetes. As músicas cumprem sua função. Elas casam com a cena, mas não são expressivas o suficiente a ponto de chamar a atenção do espectador. É importante citar que várias músicas são apenas desdobramentos da música-tema do filme variando instrumentos ou ritmos.

A trilha licenciada é ótima, mas bem seleta. Spoon abre o filme com a soberba “The Underdog”. “How You Like Me Now?”de The Heavy, “That’s Not My Name” de The Ting Tings e “Kung Fu Fighting” de Carl Douglas completam as poucas faixas da trilha licenciada.

Erros do passado, acertos do presente, promessas para o futuro

Seth Gordon decepcionou com seu primeiro longa de comédia, “Surpresas do Amor”. Porém, a experiência e as pesadas críticas mostraram-se eficazes ao mudar o trabalho do diretor. Gordon consegue um trabalho excelente com o elenco. Tem sacadas simples que deixam o ambiente da película bem cômico. Isso acontece quando pede para seus três atores protagonistas discursarem suas falas ao mesmo tempo ou com uma pequena diferença deixando-as ininteligíveis. O efeito é eficiente e divertido.

Outro exemplo disto é a rápida cena do estacionamento ou nas ótimas piadas do gato. Entretanto, com isso, o diretor acaba perdido em escolher qual é o estilo humorístico do longa. Diversas vezes, ele aposta no humor pastelão – os personagens se estapeiam constantemente, no humor negro e no humor de “situação” ou “momento”. Já sua técnica é mais interessante. Para mudar de cenas, o cineasta aposta em movimentos panorâmicos em grandes planos gerais aéreos combinados com o efeito do time lapse – truque de acelerar as imagens, aliás este é um efeito que aparece muitas vezes no longa.

O manejo do ritmo do filme é gracioso – ele passa voando. Gordon também arrisca ao explorar um pouco mais na criatividade quando insere a descrição dos chefes na imagem quando estes são apresentados pela primeira vez aos espectadores. Porém, por mais que o diretor tenha acertado a mão e tornado o filme agradável, é impossível perdoar a falta de inspiração num filme baseado em um tema tão vasto como este. Tudo acaba mal explorado e superficial deixando a experiência final do trabalho muito decepcionante.

Doce ironia

“Quero Matar Meu Chefe” é um filme divertido que apresenta uma proposta bem mais leve que as comédias já lançadas esse ano, apesar de seu tema mórbido. As piadas inspiradas funcionam e o elenco é fantástico, com exceção de Charlie Day – como havia escrito, esse cara grita demais. É uma tristeza não sair plenamente satisfeito com a rápida conclusão da narrativa que poderia ter sido muito mais explorada em sua totalidade. E, infelizmente, a situação está ficando mais complicada para o filme. Logo nesta sexta dois arrasa-quarteirões estão chegando com fome de espectadores e filmes de comédia não ficam muito tempo em cartaz. Ainda vale mais a pena assistir Jane Fonda infernizando seu patrão em “Como Eliminar Seu Chefe”

by Matheus Fragata

Crítica | Pânico 4

Wes Craven redefiniu o gênero do suspense quando lançou “Pânico” em 1996 conseguindo assustar, divertir e principalmente se comunicar com o público – é impossível abandonar o filme na metade. Craven salvou os filmes slasher do abismo. Foi responsável pelo boom criativo que originou “Eu Sei o que Vocês Fizeram No Verão Passado”, “Lenda Urbana”, “Premonição”, entre vários outros. E agora volta corrigindo erros do passado (“Pânico 3”) e salvando mais uma vez o suspense previsível dos filmes decadentes e estagnados de hoje em dia.

Sidney Prescott volta a sua cidade natal, Woodsboro, para lançar seu livro de autoajuda revelando as dificuldades que passou graças ao psicopata Ghostface. Justamente em seu retorno, Ghostface volta a aterrorizar os estudantes da diminuta cidade. Agora cabe a ela, Gale e Dewey impedirem que o massacre se repita novamente enquanto tentam proteger a sobrinha de Sidney, Jill.

Novo grito, novas regras, nova década

O roteiro é novamente escrito por Kevin Williamson e mais uma vez consegue surpreender a todos espectadores com sua trama essencialmente imprevisível e lotada de reviravoltas. O teor crítico de sua escrita é elevadíssimo – detona toda essa geraçãohorror gore que destruiu o gênero do terror. Os reboots ou remakes também não foram poupados. Existe também outra crítica que é mais severa e sóbria destinando-se a atualidade ávida por fama e tecnologia. A metalinguagem – identidade da série – volta em outros personagens reapresentando as regras dos plots de filmes de terror atuais. Com isso, resgata a atmosfera revolucionária inaugurada pelo primeiro filme da série em que as críticas direcionavam-se aos clichês e as infinitas sequências que amaldiçoaram o gênero.

Sua história prende o espectador do início ao fim surpreendendo a cada instante. Aqui, Ghostface apresenta-se diferente dos outros três da série. Muito mais violento, doentio, cruel e visceral, garante as ótimas cenas de mortes que preenchem o filme. É vital citar que “Pânico” nunca foi uma franquia de terror que tem o intuito de amedrontar o espectador. A carga humorística é fortíssima, por isso não se sinta mal em dar boas risadas logo após uma morte violenta.

A vantagem deste “Pânico”, em especial, é que ele nunca se leva a sério. Isso resultou em uma narrativa bem criativa com algumas piadas bem elaboradas chegando até a se autossatirizar explicitado pelo clímax. Na minha sessão ocorreu algo interessante – lá nos minutos finais do longa, Sidney solta o melhor quote de todos os diálogos e a reação na plateia (claramente fãs da série, inclui-se eu aqui) foi unânime, uma chuva de aplausos. Falando em diálogos, os clássicos telefonemas de Ghostface estão muito bem revitalizados e memoráveis como sempre.

Infelizmente nem tudo é uma beleza na escrita de Williamson. Os problemas do filme são visíveis e incomodam um pouco. A principal proposta era a reinvenção do gênero. Então por que continuar com a inexplicável e tradicional demora (eterna) de um personagem chegar a outro local para salvar seu parceiro em uma cidade minúscula? Ou até mesmo a impossível falta de mira do xerife Dewey? Outras falhas existem, mas após assistir duas vezes percebi que é plausível o teletransporte mágico de Ghostface , mais rápido que todo o elenco, em termos de transitar pela cidade. A escolha de deixar o trio principal com menos tempo em tela também foi desnecessária.

Outra coisa que foi mantida e acredito que sempre será, é a explicação do psicopata da vez sobre o porquê de toda a matança após retirar a máscara e revelar sua identidade – sempre a maior surpresa. E, neste caso, é praticamente impossível decifrar o assassino durante o longa – que para mim desde o primeiro filme da franquia se assemelha muito aos minutos finais de cada episódio de Scooby Doo.

Quando o clássico encontra o novo

O trio principal retorna. Neve Campbell, Courteney Cox e David Arquette estão bem melhores e mais a vontade em seus papéis que nos filmes anteriores. Campbell deixou de ser a adolescente indefesa e torna-se uma mulher preocupada com o futuro. Sua atuação demonstrou uma sobriedade muito interessante e até mesmo algumas caras inéditas, mas mesmo assim nada tirará Campbell da mediocridade. Courteney Cox volta mais impetuosa do que nunca com a inquieta Gale Weathers – de longe assume o pódio das atuações do trio original. Arquette deixa de mancar, mas continua com a mesma cara de idiota ingênuo do xerife Dewey. A velhice lhe ajudou a definir um pouco mais suas expressões conferindo um ar mais interessante ao personagem.

O quarteto novato também não faz mal e chega a impressionar de vez em quando. O maior destaque é Hayden Panettiere incorporando a cômica Kirby, que ganha seu momento impar durante um dos questionários de Ghostface. Emma Roberts encara facilmente seu papel dando conta da transformação necessária de sua personagem. Anthony Anderson e Adam Brody são os novos policiais de Woodsboro e soltam a melhor piada do filme envolvendo Bruce Willis.

Dane Farwell é o dublê que dá vida ao Ghostface. Infelizmente, nesse filme ele não repetiu o célebre ato de limpar a faca entre os dedos após a sanguinolência, mas continua com sua expressiva cabeça inclinada sinistra. Roger Jackson dubla o antagonista durante os telefonemas. Ele alterou a voz do psicopata, mas mesmo assim continua marcante, aterrorizante e estranhamente sexy.

Colorindo o horror

A fotografia de Peter Deming abandona as distorções das lentes usadas no primeiro “Pânico” e dá mais relevância a sua iluminação. A modelagem da luz é bem feita nos interiores e cumpre o papel de tornar tudo sombrio, denso e pesado, às vezes saturando mais um tom amarelado e outras um mais azulado. Já nos exteriores a história não se repete. Geralmente, em cenas noturnas em que o enquadramento do plano captura uma fonte de luz intensa como faróis e postes existe uma superexposição de luz que deforma a imagem. Isso poderia ter sido facilmente evitado se tivesse fechado um pouco mais o diafragma de suas câmeras garantindo um efeito de luz mais legal de olhar. A maquiagem também merece um destaque especial.

Beltrami em pânico

Marco Beltrami é um compositor muito imprevisível. Já recebeu duas indicações ao Oscar, mas alguns de seus trabalhos são simplesmente abismais. Fez a música de todos os filmes da franquia que são conhecidas por serem desconhecidas. O filme que redefiniu o gênero não ter um tema próprio é uma coisa muito triste. Na essência, a trilha original funciona raramente. As incessantes composições são extremamente melodramáticas que acabam cansando os ouvidos após alguns minutos. Existem exceções como o caso da cena do estacionamento em que a música casa perfeitamente.

Novamente quem salva a música é a trilha licenciada que conta com praticamente duas canções (a que abre e a que fecha o filme) durante toda a projeção. São elas “Something to Die For” e “Bad Karma”.

Voltando da Rua Elm

Wes Craven estava desaparecido. Voltou ano passado com o fraco “A Sétima Alma” e agora, honrando seu título de mestre do suspense da atualidade, entrega um dos melhores filmes da série. As referências a vários outros filmes slasher são muitas, além de homenagear a própria franquia ao relembrar o metalinguístico “longa” “Stab”. Como havia assistido o quarto filme antes do segundo, desconhecia a existência deste curta que conta inúmeros planos hitchcockianos – uma bela homenagem de um mestre do suspense para uma lenda do gênero.

A violência, a crítica ácida e o humor negro se fazem presentes em todos os atos da película. Craven tem uma habilidade impressionante em criar psicopatas incrivelmente carismáticos. Freddy Krueger é criação sua e Ghostface é meu vilão favorito. Ele desconstruiu a imagem mítica e inalcançável desses psicopatas – repare como Ghostface apanha de Sidney em todos os filmes da franquia e também a ausência de planos que lhe conferem um ar de grandeza, fora o grande diferencial – ele sabe falar.

Craven também sabe utilizar vários recursos sonoros para criar uma atmosfera extremamente tensa elevando o suspense as alturas. Seja com o rangido de uma porta débil como o eco do estacionamento deserto, o espectador fica completamente imerso no mundo minuciosamente criado por ele. Ele anima o público logo no inicio de todos seus filmes com aberturas fantásticas – basta assistir uma delas e você já conhece o método cinematográfico do diretor.

E conseguiu novamente remodelar o gênero que já apresentava sinais de esgotamento há tempos, vide “Jogos Mortais” e “O Albergue” que claramente esqueceram o que o terror e o suspense significam, medo, não nojo. Além disso, até mesmo suas imagens escondem críticas a nossa sociedade ávida por reconhecimento, basta reparar no último plano do filme que o fecha com chave de ouro.

Qual o seu filme de terror favorito?

“Pânico 4” cumpre o que promete. Apresenta os novos clichês em um tom debochado e tenta salvar o gênero mais uma vez. Para os adolescentes de 1996 que assistiram o primeiro filme nos cinemas, a impressão deve ser de uma nostalgia tamanha. Então se você gostava desses filmes de terror teen, não perca seu tempo duvidando se o filme merece um bilhete de cinema. Apenas vá com o intuito que você irá se divertir (e muito). Agora, eu já sei responder a pergunta de Ghostface com muita segurança.

by Matheus Fragata

Crítica | Meia-Noite em Paris

Talvez seja exagero dizer que Woody Allen estava perdido em uma abstinência criativa nos últimos tempos. Em 2009, lançou “Tudo Pode dar Certo” estrelando Larry David. Apesar de divertido, o filme era velho em sua essência e não trazia nada de novo na direção de Allen. Ano passado, veio “Você vai Conhecer o Homem de seus Sonhos”. Aquele longa metragem deixou claro que o lendário diretor precisava compor uma obra interessante. O filme carecia de uma história que conquistasse o espectador, Woody estava se baseando em recursos de humor já utilizados, os personagens eram chatos e os atores também não ajudavam. Comecei a me perguntar onde será que estava o Woody Allen que tive o prazer de conhecer em “Vicky, Cristina, Barcelona” em 2008. O filme rodado na Espanha revelava-se ser a obra mais sexy, física e provocante do diretor. Mantendo o cronograma de produzir um filme por ano, Allen volta completamente renovado e pronto para te conquistar mais uma vez.

Gil viaja a Paris com sua noiva, Inez, e seus sogros, John e Helen, as vésperas de seu casamento a fim de buscar inspiração para escrever seu primeiro livro. Lá o casal encontra Paul, um amigo de faculdade de Inez e logo os programas deles resumem-se a sair com Paul. Após uma degustação de vinhos, Gil decepciona-se com a noiva que tem o tratado de modo indiferente há alguns dias. Alegando que gosta de caminhar em Paris a noite para observar suas brilhantes luzes, ele tenta voltar sozinho para o hotel. Bêbado, cansado e perdido, resolve descansar na escadaria de uma igreja, mas seu mundo viria a mudar radicalmente após a badalada da meia-noite. Gil descobre que existe um mundo em que o passado é presente. Lá encontra todos seus ídolos e personalidades históricas dos anos loucos de 1920 que o ajudarão a concluir seu romance.

Paris, Je t’aime

Fazia anos que Woody Allen não escrevia um roteiro com uma história tão boa como esta. Seu roteiro é extremamente imaginativo, criativo, curioso e inteligente. Aqui a simplicidade é o que o torna absolutamente único. É praticamente impossível não se apaixonar por esta nova obra de Allen. Ele mudou radicalmente suas manias ao apresentar vários elementos novos. O principal deles é a abordagem romântica da história, poucas vezes utilizadas em suas obras. O humor também sofre alterações drásticas. Ele abandona o humor ácido evidentemente crítico para um bem mais suave, gentil e bondoso, que se revelou também ser mais agradável – finalmente as piadas abandonaram o caráter infeliz de um personagem rabugento insatisfeito com a vida.

Entretanto, apesar de Woody ter inovado bastante, ainda existem algumas características que são marca registrada do roteirista. Como habitual, a carga irônica da narrativa é bem acentuada. A traição também é presente. As críticas ao nosso modo de vida, hábitos e até a própria sociedade são muito sutis – é preciso estar atento para captar todas. O modo que Allen consegue correlacionar a atualidade com o passado encantador é completamente única. Assim, adiciona mais um significado místico para a hora mágica – a meia-noite.

Além disto, o capricho mais marcante de Allen está em um estado de ebulição nunca visto antes. Existem muitos diálogos rápidos durante o filme – muita informação em questão de segundos. Existe uma falha técnica por parte de nosso País. O filme conta diversas conversações em francês que não são traduzidas pela legenda o que é uma tristeza, pois nunca o espectador vai absorver toda informação que ele oferece. O mais interessante de sua história é que ela conversa com o público. Allen não duvida do intelecto do espectador apresentando detalhadamente cada personalidade fantástica que Gil conhece. Então é necessário que a plateia tenha certo nível cultural para entender as melhores piadas do longa – principalmente a que envolve o cineasta Luis Buñuel.

A história é uma declaração de amor de Woody a Paris e toda riqueza histórica que a cidade e ele faz isso através da riqueza psicológica de seus personagens. E, mesmo com toda a vastidão de personagens interessantes, o roteirista inova com seu protagonista. No início do filme, é impossível acreditar que Gil é o personagem principal da narrativa pelo destaque que ele proporciona aos coadjuvantes ofuscando sua presença. No mundo atual, Gil é subestimado por sua noiva, odiado pelos seus sogros, carece de auto-estima e aparentemente hipocondríaco, porém tudo se transforma quando o personagem cai nos anos 20. Lá ele tem amigos, é prestigiado, sente-se importante por estar entre os maiores nomes da cultura que não o menosprezam de maneira alguma.

Assim Woody faz uma das críticas mais sutis a nossa sociedade. Atualmente, sofremos com o péssimo hábito de dar nossa opinião sobre tudo e todos mesmo que ninguém a tenha requisitado detonando a grande falta de educação. Enquanto no passado, os artistas seguram seu argumento até que alguém o peça. Alguns até preferem nem conhecer a obra do amigo para não afetar o relacionamento. Outra crítica perfeita transmitida por Gil é sobre aproveitar as coisas simples da vida como uma simples caminhada na rua durante a chuva – isso é apontado demasiadas vezes no filme. Outro argumento inteligente do roteirista é o nosso apego pelo passado independente da época vivida. Nunca vivemos o presente como se deveria, mas perdemos nosso tempo sonhando com uma época já extinta causando um sentimento de pseudonostalgia – sempre, no passado, o mundo (e seus habitantes) foi melhor.

Woody também aborda o consumismo de utensílios inúteis – desta vez é importante que o espectador interprete da forma que lhe convém. Novamente o protagonista é um dos muitos alteregos do diretor. O espectador encontrará filosofias – a melhor delas sobre as luzes da cidade – que parecem ser proclamadas da boca do próprio Allen assim como em “Manhattan”. Os diálogos que apresentam estes pensamentos têm um comportamento curioso. Os que acontecem no mundo contemporâneo não chegam nem perto qualidade apaixonante dos apresentados durante os anos 20. Isto é uma jogada inteligente do roteirista que, assim, encontra outra possibilidade de inserir mais uma crítica. Será que a inteligência dos homens regrediu?

Os franceses sempre foram ridicularizados, alvos de piadinhas cretinas em incontáveis filmes americanos, porém aqui acontece exatamente o contrário. Allen confere a maldade, o desinteresse, a ignorância, a passividade e o termo “pseudo intelectual” aos coadjuvantes americanos de sua obra. Entretanto, consegue ampliar sua crítica ao mundo. Nunca o termo “pedante” foi utilizado tão corretamente como neste caso – se pararmos para pensar, vemos que vivemos em uma sociedade pedante, arrogante, burra, cega pela ganância e orgulhosa, que insiste em cometer os mesmos erros e fingir que conhece qualquer assunto, desconhecendo a maioria dos que costuma colocar em pauta.

Voltando para a realidade fantástica da história, o roteirista entrega o conflito majoritário da narrativa – paixão impossível que o protagonista começa a viver. Além de seu affair apaixonado pela Cidade das Luzes, Woody dedica um amor especial aos personagens inspirados nos artistas da década de 20.

Aproveitando a ambientação noturna que a história segue, consegue humanizar os conceituados artistas que Gil encontra inserindo-os em ambientes familiares, coloquiais, confortáveis e despretensiosos. Assim, consegue dar uma dimensão de bondade enorme a esses personagens que esquecem as rivalidades e o stress do trabalho na utopia criada por Woody.

Outro truque inteligente do diretor, ator e escritor é a moderação dos eventos e da inserção de novos personagens em seu texto. Com isso, faz com que o espectador anseie para que o relógio volte a anunciar a meia-noite assim que o protagonista volta para o “mundo real”.

Personalidades reinterpretadas

Owen Wilson tem progredido bastante nos últimos tempos seu desempenho como ator. Ele não é ruim, é apenas mal aproveitado e mal dirigido na maioria das vezes – só que isto não acontece aqui. Sob pressão de Woody Allen, Wilson conseguiu elaborar um personagem encantador com sua interpretação simples e complexa. A linguagem corporal que o ator cria é expressiva. Com uma postura curvada, a cabeça pendida para o chão, passos vacilantes acompanhados da mão sempre enfiada no bolso reforçam a grande insegurança que o personagem sente. Às vezes, o ator pende para o lado caricato da atuação com fantásticas expressões faciais – sim, Owen consegue construir caretas únicas neste filme.

Existe a transformação necessária de seu trabalho, mas não é baseada em expressões corporais e faciais, mas sim na pronunciação de suas falas e seus olhares. Ele consegue transmitir o amor que sente pela época com o entusiasmo de seus diálogos, a inquietude de seu corpo e o olhar estupefato carregados de paixão. O contraste da emoção desenvolvida pelo ator é bem significativa. Assim que abandona o mundo fantástico e volta para o real, toda a expressão de alegria sme e voltam as de felicidade travestida. O ator também consegue trabalhar em harmonia com todo o elenco.

Obedecendo as exigências do roteiro, Rachel McAdams é detestável em cena. Sua atuação é muito boa conseguindo criar a antagonista perfeita. Ela é uma atriz que não regula ou censura os sentimentos da personagem, por isso sua atuação é muito natural e espontânea. Ela aposta em expressões faciais e gestos completamente infantis denotando a figura mimada de Liz. Marion Cotillard é outro destaque do elenco de peso do filme. Sua atuação é completamente adequada à época que a personagem vive. Esbanja elegância em suas cenas com seus traços suaves e delicados. Outro destaque feminino é Kathy Bates. Ela dá a carga humorística necessária a toda cena que participa. Carla Bruni em sua primeira atuação é uma grande surpresa – conseguiu tornar sua personagem consideravelmente interessante.

Corey Stoll também é outro espetáculo em cena enquanto desenvolve Hemingway. Aqui o trabalho com a elocução da fala truncada é bem diferente da apresentada por Wilson. É possível notar a convicção assustadora de Stoll em seus diálogos – realmente encarnou o romancista. A expressão corporal do ator é praticamente perfeita. O andar truculento e bêbado é impressionante – fidelíssimo a personalidade real visto que Hemingway é considerado o escritor americano mais alcoólatra de todos os tempos. “Um homem inteligente, às vezes, é forçado a ficar bêbado para gastar um tempo com suas bobagens” – Ernest Hemingway.

Quem merece um parágrafo totalmente dedicado é Adrien Brody. A única cena que ele aparece já vale o ingresso. Totalmente esplêndido, conquista o espectador logo na primeira frase. Não vou falar qual artista ele encarna para não estragar a ótima surpresa. Sua atuação é de longe a melhor do filme inteiro. O olhar alucinado, compenetrado e avoado proporcionado pelo artista captura a essência da figura genial que interpreta. Além disto, gesticula compulsoriamente para reforçar sua idéia inebriante com expressões faciais exageradas e divertidíssimas.

A Luz da Meia-Noite

O iraniano Darius Khondji mostrou um novo significado para a arte da cinematografia quando trabalhou com David Fincher em “Se7en”. A atmosfera carregada, poluída, porca, feia, nojenta e asquerosa de sua iluminação tenebrosa explicitou o lado visceral esquecido muitas vezes pelo cinema – ganhou um admirador naquele instante. Felizmente, Khondji fez um trabalho bem mais delicado neste filme.

Uma característica que o cinegrafista manteve durante o filme inteiro foi destacar os cabelos dos personagens. Isto é bem visível em Versalhes em que a iluminação refletida pelos cabelos louros de Wilson e McAdams contrasta fortemente o verde saturado das árvores dos jardins megalomaníacos do palácio. O cinegrafista puxa fortes tons amarelos na maioria do filme e isso fica mais intenso quando Gil entra na década de 20. O truque é bem simples, mas a realização é complexa. Ele deixa o fundo do plano bem amarelado e cheio de sombras inferindo o toque vintage necessário a obra, além de reforçar a riqueza cultural da época.

Já a modelagem da luz incidente na face dos atores é outro deslumbre. As fontes de luz são bem suaves deixando a escuridão envolver parcialmente o rosto dos artistas – o efeito comporta-se como uma pintura em movimento. Ele também insere névoas charmosas e românticas nos cenários. Assim, ele desconstrói propositalmente todo trabalho pesado para reforçar o amarelo a fim de tornar a cena palpável, lotada de texturas encantadoras para deixá-la completamente onírica, ilusória e imaterial lembrando ao protagonista que ele não pertence a aquele mundo.

O cinegrafista também aproveita para usar reflexos. Utiliza o recurso com o auxílio de um espelho fosco que embaça a imagem tornando o reflexo algo bem fantasmagórico, porém charmoso. Darius aproveita o reflexo natural da água, vide o estonteante plano geral de Giverny (Monet, realmente, escolheu a dedo o lugar para passar o fim de seus dias e deixar o seu famoso jardim com todos os tons que queria para “impressionar”quem admirasse seus quadros em qualquer ano que fosse visto). Destaque para o cuidado conferido por Khondji na simulação da iluminação interior das cabines dos carros. Nestes planos, consegue distorcer a luz deixando-a brilhante e levemente translúcida.

Todo o departamento de arte é dedicado aos mínimos detalhes para a reprodução dos anos 20. O trabalho da direção de arte é mais notável na decoração inusitada dos cenários do que a composição artística dos mesmos – Paris possui diversas locações conservadas com séculos de idade. O destaque fica para os figurinistas e para os cabeleireiros. O vestuário do elenco é fidelíssimo a época acompanhando até seus estilos musicais como o charleston e o can can. Os recortes dos vestidos mantém a silhueta tubular, sem demarcação dos seios ou quadris respeitando a moda parisiense marcada pela simplicidade e leveza daquele momento. Os penteados femininos trazem mais riqueza cultural ao filme. O estilo à La garçonne de cabelos curtos com forte apelo sexual é desenterrado do séc. XX. O novo filme de Woody é uma enciclopédia completíssima dos anos loucos.

Concepção licenciada

Woody Allen adora trabalhar com músicas licenciadas – é extremamente difícil encontrar um filme que tenha músicas originais. As inúmeras faixas que o diretor escolheu são perfeitas compondo uma coletânea única de canções dos anos 20, 30, 40 e 60. Há um grande destaque para as composições de Cole Porter como “Let’s do It”, “You do something to me” e “You’ve got that thing”.

Mas quem rouba a cena são as instrumentais francesas carregadas de emoção e sentimento. “Si tu vois ma mère” que conta com o som fantástico do sax de Sidney Bechet vira o tema principal do filme pela repetição incontável da música – característica da direção de Allen. Já a outra música que chama a atenção do espectador é a bela “Parlez moi d’Amour” construída pelo inigualável som do acordeon francês.

Infelizmente a trilha sonora do filme ainda não está disponível na internet por isso peço desculpas pela falta de análise deste aspecto do filme. Só posso dizer que a seleta música foi escolhida a dedo e funciona muito bem chegando, inclusive, a emocionar o espectador.

Bonsoir, Messier Allen!

Woody Allen é um diretor de histórias. Não importa se elas são boas ou ruins, simplesmente as transformam em filmes únicos – cada um com seu charme especial. “Meia-Noite em Paris” tem vários atrativos sendo os principais deles, a própria cidade e a vida cultural sempre efervescente . Allen fotografa várias cartões postais no início do longa como ninguém. Ele encontra pontos da cidade belíssimos que provavelmente passam despercebidos pelos próprios parisienses. O diretor enquadra os principais monumentos de Paris com planos distintos que fogem do senso comum surpreendendo pela beleza. As imagens seguem uma linearidade, desde a aurora do dia até a noite encantadora, incluindo belíssimas imagens de uma tarde chuvosa.

Outro aspecto muito interessante do diretor acontece na cena de Versalhes. O modo que ele posiciona os atores no enquadramento transmite outra mensagem. Repare que enquanto Paul anda, aprecia e disserta sobre as maravilhas do jardim, Inez anda atrás dele e atrás dela se encontra a mulher de Paul. E por último, o patinho feio do grupo, Gil acompanha sem muito interesse. Woody exige muito de seus atores e isto não é novidade, porém isso tomou outra proporção neste filme. Diversas vezes no filme, trabalha na base dos planos-sequência – planos que registram uma sequência inteirasem cortes. Utilizando a técnica da Steadicam, acompanha os atores se movimentando no espaço durante o plano-sequência a fim de quebrar a mesmice da imagem. Os planos-sequência de Woody são bem longos então imagine o condicionamento que os atores se submetem para decorar os extensos diálogos da cena.

O diretor foge das edições/mutilações frenéticas dos blockbusters atuais. Geralmente, no meio de um diálogo, a imagem segue o personagem falante. Allen não segue esse padrão. Algumas vezes, ele oculta a expressão do ator que se comunica para explorar a reação de segundos ou terceiros.

Em diversos filmes anteriores, o cineasta colocava seus alteregos para conversar diretamente com o público pelo contato direto do olhar do personagem com a lente da câmera. Com este filme, Allen deixa mais do que claro que prefere seu lado intelectual como escritor de livros e peças de teatro do que roteirista de Hollywood, tanto que ele foge para Paris e vai conversar com os grandes gênios da literatura em noites especiais e festivas do que discutir suas idéias em ambiente hollywoodiano.

Os atores também foram escolhidos de modo perfeito. Todos se parecem com os escritores, artistas e músicos dos anos loucos. Mais um ponto positivo para o diretor.

Minuit à Paris

“Meia-Noite em Paris” marca um belo retorno para o cineasta que há tempos não realizava um filme tão belo, simples, inteligente, sensível e emocionante como este. Após o termino da sessão, a vontade que fica é de assistir a que vem logo mais. É bem interessante ver como Allen se saiu com o elenco totalmente novo e o trabalho com Owen Wilson e Adrien Brody. Se você está procurando uma comédia doce com uma história encantadora e conhecimento sobre a maravilhosa década de 20, meu conselho é que não perca seu tempo. Apenas vá, delire e aproveite. Agora, só espero a primeira oportunidade de voltar para Paris, procurar a almejada escadaria, aguardar a badalada da meia-noite e embarcar em uma aventura completamente inesquecível. Afinal, a escadaria daquela igreja eu já conheço!

Meia-Noite em Paris (Midnight in Paris, EUA/Espanha – 2011)

Direção: Woody Allen
Roteiro: Woody Allen
Elenco: Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Marion Cotillard, Tom Hiddleston, Léa Seydoux, Adrien Brody, Corey Stoll, Kathy Bates
Gênero: Comédia, Romance
Duração: 94 min.

by Matheus Fragata

Crítica | Se Beber, Não Case! Parte II

Antes de Se Beber, Não Case!, os besteiróis americanos possuíam certa falta de qualidade, um descuido com a parte artística e atores abismais. Não eram atraentes e tinham pouca graça. Contavam piadas para os americanos, não para o mundo. Isso não quer dizer que não existiam exceções como American Pie – isto não inclui as sequencias imbecis, entre outros. Porém, quando o filme de Todd Phillips estreou, houve uma revolução na comédia americana. Com um humor sutil e inteligente, o trio Phil, Alan e Stu conquistaram uma legião de fãs. O sucesso foi absoluto, a crítica o consagrou, a bilheteria o destacou e Bradley Cooper começou a fazer sucesso. Agora, depois de dois anos, o wolfpack retorna com mais uma ressaca imperdível.

Traumatizado da experiência da despedida de solteiro de Doug, Stu quer se casar da maneira mais calma possível. Mais paranóico que nunca, ele convida Phil e Doug para seu casamento, mais reluta em chamar o lunático Alan. Após a insistência de seus amigos, Stu aceita chamar Alan. Em sua noite de despedida de solteiro, o noivo implora para que seus amigos não aprontem com ele, mas as coisas novamente saem do esperado. Após uma noite louca, Stu, Alan e Phil acordamem Bangcoc. Logo que o efeito do álcool ameniza, eles percebem que Teddy, o irmão mais novo da noiva de Stu, está desaparecido. Assim, o trio tem uma corrida contra o tempo para encontrar o garoto e chegar ao casamento de Stu na hora. Mas desta vez eles contam com a inesperada ajuda de Mr. Chow.

Açúcar, Tempero e Tudo que Há de Bom

O roteiro escrito por Craig Mazin, Scot Armstrong e Todd Phillips segue exatamente o mesmo estilo de narrativa interessantíssimo criado pelos originais Jon Lucas e Scott More. Logo no primeiro minuto de projeção, lança os protagonistas em uma situação desesperadora para depois contar como eles acabaram ali. Se você assistiu o primeiro filme, indiretamente assistiu o segundo graças a escolha desta fórmula do sucesso. Infelizmente, isso torna as reviravoltas previsíveis, a falta do elemento surpresa e o desfecho pouco surpreendente como em seu predecessor. A opção de construir uma narrativa tão semelhante a anterior garantiu um tempo maior para a elaboração das piadas.

Neste filme, assumem um tom muito mais agressivo, sexual e grosseiro com situações mais apelativas em tornar tudo o pior cenário possível. Como de costume, os moralistas podem sair ofendidos, principalmente por uma cena que mostra uma epifania de Alan – considero-a nada menos que genial. A maioria das piadas resume-se no humor negro inteligente e rápido. O maior ponto positivo do roteiro é exatamente este: ser tão engraçado e ridículo quanto o primeiro filme.

Porém, assim como muitas pessoas, encarei negativamente esta escolha dos roteiristas. Foi muito legal na primeira vez, mas certamente não custava nada que eles entregassem uma narrativa diferenciada, afinal a proposta do primeiro filme era a reinvenção do gênero. A abordagem deles é tão igual que o filme conta novamente com um animal exótico – esta decisão foi esperta, depois de Alan, o macaco é o melhor personagem do filme – outra modificação na face de Stu, a desnecessária ausência de Doug na ressaca, entre outras características. Até mesmo falas são copiadas do roteiro anterior como o clássico “What the fuck is going on?!”,além de escolher cenas em interiores que reciclam a arte já ultrapassada de 2009.

Entretanto, eles acertamem retornar Mr. Chow na história – o personagem garante várias das melhores piadas do filme. Novamente, fornecem pistas muito sucintas sobre o paradeiro do desaparecido da vez, que pode ser desvendado, no entanto, por um espectador concentrado. Fora isso, há uma intertextualidade interessante com o filme anterior, visto que muitas piadas são causadas por meras citações das loucuras anteriores do trio. A mudança para Bangcoc, um ambiente mais hostil que Las Vegas, também justifica a abordagem mais rústica do humor. Destaque para a original analogia apresentada pelo sogro a respeito de Stu.

Também houve poucas mudanças quanto ao comportamento dos personagens da história, umas negativas e outras positivas. Phil é o mais afetado. Durante o filme inteiro o personagem parece deslocado e perdido servindo apenas como mediador da situação, além de contar com poucos momentos engraçados. Alan é mais desenvolvido ganhando um destaque maior e uma importância significativa para a evolução da busca. Já Stu continua paranóico e traumatizado carregado de ataques de nervos hilários. Apesar disso, a sensação de mais coisas poderiam ter sido aproveitadas é grande.

The Wolfpack is back

Além das ótimas piadas que o roteiro garante, a qualidade das atuações também não desaponta. Bradley Cooper se esforça bastante conseguindo articular eficientemente as poucas tiradas cômicas que seu personagem possui. Cooper tem sorte de ter um carisma marcante. Duvido que Phil ficasse relevante na trama se outro ator tivesse tomado o papel.

Ed Helms é humorista e aqui, finalmente, teve seu tempo para brilhar – atente para a parte da boate. Utilizando diversas vozes, gritinhos de pânico, expressões de ressaca das mais convincentes, a postura esquisita, gestos imprevisíveis, conquista o público imediatamente. Sua atuação é uma das melhores – repare a mudança de comportamento de seu trabalho antes, durante e depois de sua despedida de solteiro. Seu timing cômico é perfeito. Talvez o único aspecto negativo tenha sido o abandono de sua risada irônica do primeiro filme.

Mais idiota que nunca, Zach Galifianakis explicita como é um ator complexo, variado e criativo. Em Um Parto de Viagem, seu Ethan Tremblay era um personagem baseado em gestos afeminados, sotaque alternativo e expressões corporais marcantes. Em comparação com o filme anterior da franquia, sua atuação mostrou-se muito mais oportunista, improvisando sempre que possível, garantindo assim, mais uma vez, as melhores piadas do filme. Galifianakis aposta com tudo em suas fantásticas caretas – principalmente a de choro. Além disto, inova com diversos sons bizarros e a pronunciação de sua fala, ambos completamente únicos. A maior sorte dos três atores é química surpreendente que acontece entre eles.

Justin Bartha é esquecido na ressaca e não pôde mostrar muita coisa nova. Ken Jeong é a maior surpresa do filme. Combinando ele e Galifianakis em cena, é praticamente impossível não rir. Jeong é extremamente caricato e sabe qual é o seu forte, no caso, gestos extremamente exagerados e o sotaque inigualável. Destaque para a macaquinha prego Crystal – a mesma de Uma Noite no Museu. Ironicamente, ela proporciona um carisma mais marcante que metade do elenco. Certamente uma bela adição no elenco cômico da cinessérie.

Jeffrey Tambor, Paul Giamatti, Jamie Chung, o péssimo Mason Lee, Sasha Barrese e Gillian Vigman completam o elenco.

Efeito manguaça

É impressionante que Lawrence Sher ainda não tenha sido convidado para se associar a ASC (American Society of Cinematographers). Seu estilo fotográfico é interessante e bem realizado, mas infelizmente este filme ficou fotograficamente inferior ao primeiro. Muito disto deve-se pela troca de Las Vegas por Bangcoc, uma cidade bem menos iluminada e charmosa. Isso foi bom para o cinegrafista que obrigatoriamente teve que modelar a luz com mais cuidado.

Sua fotografia é atenciosa em muitas cenas que se passam em interiores. Diversas vezes, ele satura fortes tons amarelados esfriando-os estrategicamente em alguns pontos com fontes luminosas bem fracas como lâmpadas fosforescentes inserindo tonalidades azuis claras. Isso dá um contraste inteligente entre o azul e o amarelo formando cores interessantes. O resultado disto pode-se perceber na maioria do filme. Com o truque, o cinegrafista destaca os personagens dos cenários e das locações reforçando que eles estão em um meio totalmente estranho ao que estão acostumados.

Já nas cenas exteriores, seu esforço é mínimo: apenas utiliza o eficiente truque de fechar um pouco seu diafragma para diminuir a incidência de luz. Assim o fotógrafo evidencia a atmosfera hostil completamente poluída, carregada e sombria de Bangcoc. O amarelo enjoativo de sua fotografia casa perfeitamente com tudo que o novo filme propõe incluindo o humor mais peculiar. Sher também usa reflexos, desfoques e reproduz com competência a iluminação azul-rosada da boate que os personagens visitam.

Destaques para a direção de arte que novamente surpreende no tratamento dado ao quarto que os protagonistas acordam perdidos. Eles desgastam paredes e as envelhecem garantindo o aspecto porco e nojento. O figurino se faz presente nas vestimentas de Galifianakis. Como sempre, completamente ridículas reforçando o apelo cômico moderno do personagem.

Maldição da comédia

A maioria dos filmes de comédia nunca consegue se destacar no aspecto musical sem recorrer diretamente as músicas licenciadas. Já havia dito antes que Se Beber, Não Case! revolucionou diversos aspectos técnicos e artísticos, destacando-se imediatamente no ramo. Apesar da trilha original ter recebido mais cuidado, não emplacou e acabou esquecida e, infelizmente, a história se repete no segundo filme.

O compositor Christophe Beck cria músicas interessantes, mas completamente passageiras. Quando as composições originais aparecem, se resumem em um constante arpejo bêbado e trôpego de um baixo. A música tem a ver com a situação dos personagens e reforça o clima desconfortável que eles se encontram. Novamente a composição do clímax é bem arranjada.

A maior presença musical do filme fica por conta da trilha licenciada. Ela conta novamente com Danzig “Black Hell”,“Stronger”, “Dark Fantasy” e “Monster” de Kanye West, “The Downeaster Alexa” de Billy Joel, “Reminder”de Jay-Z, “The Beast In Me” do imortal Johnny Cash,“Imma Be”do Black Eyed Peas, “Pusherman” de Curtis Mayfield, “Love Train” de Wolfmother e “Turn Around Part 2”de Flo Rida. A edição das músicas é tão eficiente que todas casam perfeitamente com as cenas sendo que algumas conseguem tirar piadas por si só.

One shot, one kill

Todd Phillips tem a mania tem transformar seus projetos em trabalhos completamente únicos. O olhar do diretor é preciso e fatal – ele sabe o que o público gosta e o que vai dar dinheiro. Com a rápida ascensão na carreira, Phillips teve a oportunidade de levar Cooper e Galifianakis para o sucesso.

Suas características se mostram novamente presentes em seu novo filme. Ele gosta de filmar a natureza do ambiente que seus filmes passam. No primeiro longa da franquia, gravou a abrangência do deserto de Nevada e a madrugada iluminada de Las Vegas. Em Um Parto de Viagem fez o espectador sentir-se viajando com Downey Jr. e Zach nas estradas cercadas de florestas de pinheiros dando uma parada a fim de mostrar a estonteante beleza do Grand Canyon. Agora neste filme, aproveita as imagens paradisíacas e calmas da Tailândia cheia de bananeiras e encostas perdidas no meio do Golfo da Tailândia. Apesar de se esbanjar nos riquíssimos planos gerais da natureza, não perde a oportunidade de criticar com a linguagem implacável das imagens.

Logo nos créditos iniciais, mostra o cotidiano do povo de Bangcoc denotando o contraste de regiões que beiram a miséria para os riquíssimos e luxuosos arranha-céus. O diretor também gosta de usar o efeito do time-lapse em seus filmes. Time-lapse é uma opção fotográfica de acelerar a imagem. Geralmente é utilizado para mostrar panoramas da mudança das estações do ano.

Phillips conversa muito bem com seus atores e consegue arrancar o melhor da maioria deles. Inclusive, ele se arrisca a fazer coisas que não está habituado, como sequencias de ação. O resultado surpreende. O diretor conseguiu arquitetar uma cena de ação muito melhor que de vários filmes que pertencem ao respectivo gênero. Ela é fantástica, além de ser completamente visível e compreensível – existem filmes de ação que a edição é tão nervosa que mal dá pra perceber o que se passa na tela. Além disto, ele sabe lançar suas piadas no momento mais oportuno, como fica provado pelo grau de qualidade desta parte.

Talvez o diretor tenha abusado demais em usar certos recursos que muitos acharão completamente desnecessários quando conferirem. Porém eles fazem parte da cultura daquele país então a inserção destes elementos já era previsível desde o início da divulgação do filme. O humor continua esdrúxulo de forma habitual, exatamente a cara de Todd Phillips.

Ressacas Incríveis

Apesar de ser praticamente a mesma coisa que o primeiro, apenas com piadas renovadas e a viagem ter passado para Bangoc, Se Beber, Não Case! Parte II é tão divertido quanto o primeiro. Fazia tempo que um filme de comédia não me fazia gargalhar no meu mais puro devaneio – o pior de tudo é que a maioria da platéia do cinema não tinha achado graça da piada enquanto eu me esbaldava em rir por uns dois minutos seguidos.

O novo filme não tem o mesmo impacto quanto o primeiro, mas traz um humor mais interessante de conferir. A qualidade de suas atuações, principalmente o trio principal, é memorável e as músicas também são ótimas. Até mesmo a fotografia quebra o tabu dos filmes acéfalos de comédia. Devo avisar que nas sessões que fui, vi uma grande quantidade de crianças. Isto não é bom, visto que a maioria delas não compreendia as piadas e mal conseguia ler as legendas, além de muito provavelmente terem saído tão traumatizadas quanto Stu. Então, senhores pais, informem-se antes de levar seus pequenos para conferir um filme com uma temática como esta.

Só por curiosidade, se eu tivesse tido a oportunidade de avaliar o primeiro filme daria a nota máxima. Acho injusto um gênero tão mal visado e compreendido como a comédia não ter a chance de ter seus filmes com notas tão boas quanto a de vários pseudo dramas que existem por aí.

Se Beber, Não Case! Parte II (The Hangover Part II, EUA - 2011)

Direção: Todd Phillips
Roteiro: Craig Mazin, Scot Armstrong e Todd Phillips, baseado nos personagens de Jon Lucas e Scott More
Elenco: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Ken Jeong, Jeffrey Tambor, Mason Lee, Sasha Barrese, Jamie Chung, Paul Giamatti, Gillian Vigman
Gênero: Comédia
Duração: 102 min

https://www.youtube.com/watch?v=k-EBgeqViYs

by Matheus Fragata

Crítica | X-Men: Primeira Classe

Criados por Stan Lee e Jack Kirby em 1963, os X-Men começaram a engrandecer a maior empresa de quadrinhos do mundo. No início, não fez muito sucesso entre o público, mas com o passar dos anos conquistaram uma legião de fãs. Após infinitas edições de quadrinhos e mudança de escritores, a série começou a perder a lógica com personagens que ressuscitavam mais que o japonês Goku ou curando a paraplegia de Charles Xavier para depois deixá-lo paraplégico novamente – isso acontece umas quatro vezes. Então, para esquentar a curiosidade e abranger os consumidores, eis que surge a ideia de adaptar o maior grupo de heróis da Marvel para os cinemas. Assim, em 2000, X-Men: O Filme estreia arrecadando milhões de dólares e novos leitores para os quadrinhos. Após mais dois filmes sobre a série e um filme solo de Wolverine, a Twentieth Century Fox lança X-Men: Primeira Classe, um prólogo das adaptações anteriores que conta com uma proposta completamente renovada e muito mais atraente e interessante.

Enquanto Erik Lehnsherr perdia sua família em um campo de concentração na Polônia, Charles Xavier dormia tranquilamente em sua mansão. Erik passou anos sob tortura de Sebastian Shaw, um oficial nazista, a fim de que despertasse seus poderes mutantes de manipular metais. Após alguns anos, agora livre de Shaw, Erik começa a caça-lo ao redor do globo enquanto Charles termina sua tese da faculdade de genética. Depois de um envolvimento com o governo, Charles encontra Erik tentando destruir Shaw que revela ser também um mutante. Erik fracassa, mas ganha a amizade de Xavier que promete ajuda-lo a encontrar o ex-oficial nazista.

Novamente, Ex-Humanos…

O roteiro de Ashley Miller, Zack Stentz, Jane Goldman e Matthew Vaughnn assume uma forma muito inteligente para a reinvenção da série. Os roteiristas optam em apresentar e desenvolver os fantásticos personagens em vez de encher os minutos de projeção com uma pancadaria desmiolada entre mutantes, vide o filme do Wolverine. O maior acerto são os diálogos perfeitos entre Erik e Charles. O modo que a história evolui a amizade entre os dois é muito interessante. Ela conta com crises, superações, confidencias e momentos especiais que tornam o processo convincente até para o espectador mais exigente.

A trama é tão bem construída que o desfecho do clímax é surpreendente conseguindo emocionar a plateia e leva-la a uma profunda reflexão sobre valores éticos e morais. O desenvolvimento da relação de Xavier com Erik é iniciado pelo contraste – este tão pesado e evidente que é digno do mestre de criar opostos (Frank Miller) – da vida que ambos levaram. Uma baseada no puro ódio e sede de vingança enquanto a outra explora a falta do contato materno e uma solidão suprimida por Raven. Além de ser uma história de amizade, o roteiro comporta-se como uma história de transformação e de origens. Praticamente todos os personagens da narrativa sofrem drásticas mudanças psicológicas, físicas e de opinião.

A situação histórica em que a narrativa se encontra é elaborada e condizente, além de se correlacionar com o personagem de Erik. Em plena crise dos mísseis durante a Guerra Fria, o filme lança questionamentos políticos e o comportamento dos governantes diante o medo de uma iminente Terceira Guerra Mundial. Assim como os homens, Erik projeta sua ira em um inimigo, mas a partir que este se ausenta, lança sua raiva contra os humanos. Ou seja, ele recusa de todas as maneiras encontrar a paz e a diplomacia.

Os princípios de aniquilação da raça inferior desprezada por Magneto são tão válidos quanto os utópicos entre mutantes e homens de Xavier. Ambos estão certos, mas um não viveu a vida do outro, o que leva a divergência de seus argumentos. Erik pensa o futuro do destino dos mutantes, já Charles vive os problemas do presente, ignorando os que estão por vir. Este enorme conflito entre os personagens revelam uma maturidade e complexidade jamais vista na franquia. Além das questões profundas acerca da psique dos personagens, o roteiro explora a juventude inserindo novos mutantes, a “primeira classe”.

Assim, a plateia encontra características inéditas da personalidade de vários personagens. Nunca o espectador conseguiu imaginar o letrado Professor X em uma pessoa tão viva, divertida e galanteadora como Charles Xavier de 26 anos. O roteiro abandona a figura patética e amorfa causada pela paraplegia para um personagem que se diverte, festeja, com tempo de “galinhar” com cantadas inteligentes, mas também centrado em seus objetivos e extremamente maduro. Já Magneto, perdido em sua obsessão por Shaw, passa a maioria de sua juventude caçando o oficial ao redor do globo no melhor estilo 007. Tão importante quanto Charles e Magneto, Mística é privilegiada neste filme.

Novamente o roteiro elabora mais questões, entretanto, estas um pouco mais superficiais, porém importantíssimas para a personagem. Raven é vaidosa e se traveste com a aparência de outra pessoa para que ninguém fuja assustado de sua forma original grotesca. No início, seus conflitos e questionamentos são típicos de uma mulher adolescente preocupada com a rejeição. Tudo muda quando conhece Hank McCoy, o Fera, que também tem uma mutação que afeta a estética de seu ser levando sua expectativa de um possível romance às alturas. Outra reviravolta surge quando Erik, o “mutante orgulhoso”, incide na vida do grupo. Ele tenta entender o porquê que uma criatura tão majestosa desperdice seu potencial em conflitos meramente mundanos. Esta insistência de Magneto em mudar o comportamento de Mística deixa claro ao espectador uma paixão e fascínio pela mutante. Consequentemente, também revela que Mística é uma personagem instável de fácil manipulação.

De Primeira Classe

A música composta por Henry Jackman é a mais inspirada de todos os filmes da franquia, inclusive superando John Powell. Todas possuem um tom triunfante, de que uma revelação que está pra acontecer, de algo que não se pode mais esconder casando perfeitamente com a proposta do filme. Se o espectador aguçar os ouvidos durante a sessão é bem capaz que a música acabe entrando em sua memória, mas ela vai passar completamente despercebida caso a plateia não preste atenção.

Muitos críticos dizem que quando a trilha sonora é perfeita, ela é imperceptível formando uma relação de dependência do filme para com ela e vice-versa. A última vez que escutei uma trilha tão boa foi em Tron: O Legado conduzida brilhantemente por Daft Punk.

O tema principal do filme composto por Jackman é muito interessante, mantendo as características que listei acima. O compositor não se limita a utilizar somente violinos em suas músicas. A variedade de instrumentos é enorme. Ele compõe com o auxílio de violoncelos, tambores, pianos, trombones, coros, etc. O que mais se destaca em sua banda sonora é utilização jovem de guitarras que, na maioria das vezes, tem o som de suas cordas completamente distorcido.

Além do tema principal, Jackman capricha muito no tema de Magneto. Completamente imponente, expansivo, agressivo, rápido, forte e grave, combina com a personalidade ríspida do vilão. A música é tão boa que é escolhida para fechar o filme com chave de ouro. A trilha também conta com a ajuda de Edith Piaf – a cantora favorita de Sebastian Shaw revelando certa ironia.

Para equilibrar o complexo arco dramático garantido por Xavier, Magneto, Shaw e Mística, os roteiristas apresentam os novos mutantes que garantem o necessário alivio cômico. Destrutor, Banshee, Fera, Angel e Darwin divertem o público com piadas interessantes. Até mesmo os antagonistas integrantes do Clube do Inferno têm mais carisma do que todos side-kicks de Magneto na trilogia anterior. Sebastian Shaw, Emma Frost, Azazel e Maré Selvagem garantem a vilania necessária para conduzir o desfecho da narrativa. O roteiro também oferece várias curiosidades sobre os X-Men, além de contar com duas referências aos filmes anteriores, sendo uma delas impagável.

Porém, mesmo com tantas qualidades surpreendentes para um filme de super-heróis mutantes, o roteiro apresenta algumas falhas. O que incomoda bastante são as soluções forçadas para a resolução das decisões de Mística. Na metade do filme, Emma Frost desaparece por um tempo considerável de cena transparecendo certo descaso dos roteiristas com a personagem. A história também dá uma nova dimensão de falta de personalidade nos comparsas de Shaw. Enquanto o antagonista é satisfatoriamente desenvolvido, Azazel é totalmente alegórico e Maré Selvagem não tem uma única fala durante o filme todo. Outra coisa que pode incomodar alguns fãs dos quadrinhos é a total falta de fidelidade do filme com a história apresentada pelos gibis. Entretanto, a nova versão é extremamente lúcida e muito mais interessante que o emaranhado confuso das HQs.

O Primeiro Rei da Escócia

O elenco do novo X-Men é muito superior aos da trilogia anterior. Se você pensa que Hugh Jackman, Patrick Stewart e Ian McKellen fazem falta, está muito enganado. James McAvoy, Michael Fassbender e Kevin Bacon seguram o filme com suas maravilhosas e inspiradas atuações.

McAvoy redefine a imagem de Charles Xavier que cada espectador carrega em suas memórias conferindo uma dimensão e profundidade jamais vista. Ele se dedicou de corpo e alma para o papel impressionando a plateia. O ator aproveitou a condição física do personagem para uma marcante expressão corporal, principalmente pelo gesto da telepatia. Seu sotaque britânico espontaneamente natural dá outro nível aos diálogos. Sua atuação elegante e complexa conquista rapidamente a atenção do público que anseia por mais outra cena com sua participação.

Michael Fassbender é outro espetáculo em cena. Tão competente quanto McAvoy, constrói um Magneto mais ameaçador e interessante do que o apresentado por Ian McKellen. Novamente, a linguagem corporal do ator é extremamente significativa. Ao contrário dos gestos leves de McKellen, Fassbender explícita a ira do personagem quando começa a levitar os metais com movimentos extremamente pesados e brutais. Para reforçar a falta do amplo domínio dos poderes do personagem, o ator utiliza várias expressões faciais de esforço físico e mental. Mas a magia acontece quando os dois contracenam. Em determinada cena, revelam o sincronismo e a química perfeita que acontece entre eles. Destaque para o clímax em que a força da atuação dos dois é monstruosa garantindo uma das melhores cenas que já tive o prazer de assistir em toda minha vida.

Kevin Bacon é a cereja do bolo. O ator que andava desaparecido por um tempo das telonas volta com força total apresentando uma de suas melhores performances. Seu Sebastian Shaw é muito carismático e cruel. Bacon arrisca bastante sua atuação – ele pende para o lado caricato em muitas cenas, mas o resultado é muito bom. Conhece o seu ponto forte e o usa diversas vezes. Muitas de suas falas são reforçadas por expressões faciais muito singelas que podem passar despercebidas aos olhos desatentos. O destaque de sua atuação fica por conta da magnífica cena de abertura do filme.

Jennifer Lawrence apresenta o lado doce e agradável de Mística, mas nada em sua atuação chega a destacá-la em momento algum. Porém é perceptível que a atriz se esforça durante as cenas e, assim, sua atuação progride ao decorrer do filme. January Jones é medíocre. Emma Frost poderia ter maior impacto em sua primeira aparição se não fosse a infeliz escolha de escalar esta atriz para o papel. Durante o longa inteiro, Jones mantém a mesma cara azeda, apática e pouco atraente para uma personagem que possui características completamente opostas as apresentadas pela atriz. Nos quadrinhos, Frost tem o marcante traço de usar sua sensualidade para atingir seus objetivos. Jones até tenta explorar este lado da vilã, porém a falta de firmeza de sua atuação compromete o desenvolvimento da personagem.

Enquanto humano, Nicolas Hoult apresenta um interessante Hank McCoy, mas após a transformação do personagem sua atuação perde força. Rose Byrne, Oliver Platt, Jason Flemyng, Edi Gathegi, Lucas Till e Zoe Kravitz completam o elenco.

Fotograficamente Mutável

Os dois primeiros filmes da série não possuíam um tratamento fotográfico aceitável. Isso só foi acontecer a partir do terceiro filme que apesar de narrativamente fraco, conta com um visual belíssimo. Aqui, o diretor de fotografia Jason renova o visual da série com muita competência.

É interessante notar as diferenças da cinematografia britânica com a americana. O inglês indicado duas vezes ao Oscar privilegia as sutis distorções nas imagens causadas pelo inteligente manejo de suas lentes. No melhor estilo “kubruckiano”, o cinegrafista aumenta de forma bizarra objetos em primeiro plano. Com estes efeitos de distorções visuais, é capaz de aumentar as dimensões físicas dos cenários na imagem quando na realidade o espaço é bem menor do que o apresentado pela ilusão. Às vezes, também utiliza a técnica a fim de aproximar os personagens da plateia. O melhor exemplo disto seria a tomada em que a câmera desliza sobre o capô de um carro. Neste plano, a distorção nas bordas da tela é muito visível.

Sua modelagem de luz agrada todos os gostos. Ele evita manter tons e cores por muito tempo. As cores que o cinegrafista satura em determinadas cenas sempre possuem um significado. Em determinada cena que se passa em um bar, reforça fortes tons amarelados. Isto acontece para enfatizar a cena que é extremamente física, além de marcar o nojo de Erik pelos clientes que estão no bar. Na abertura do filme, a escolha de tons frios, acinzentados e sombrios misturados com a chuva e a lama casam perfeitamente com a hostilidade do campo de concentração. Já na câmara principal do submarino de Shaw, satura exageradamente o branco do cenário, reforçando a insanidade do antagonista.

Enquanto na casa de Xavier, as cores voltam a ser amistosas e mornas devolvendo o conforto aos personagens. Também gosta de utilizar a contraluz dando um sentido mais artístico ao recurso utilizado diversas vezes sem o menor sentido por cinegrafistas americanos. Além disto, usa muitos desfoques em sua cinegrafia. O mais interessante da fotografia do filme são os criativos reflexos que Matheson encaixa em diversos objetos. Existe um plano no final do filme que é fantástico. Com o efeito inteligente do reflexo de espelhos planos cria um plano gigantesco, complexo e infinito.

Os efeitos visuais não são de todo ruins, mas também quase nunca surpreendem. O que chama a atenção do espectador não é a qualidade visual do efeito, mas sim a física que os animadores criaram para eles. O comportamento dos redemoinhos de Maré Selvagem é belo e o efeito visual do clímax merece reconhecimento pela incrível modelagem dos inúmeros elementos que acontecem simultaneamente na cena. O figurino tem seu mérito por resgatar o visual clássico da série: as eternas cores do amarelo e preto.

A direção de arte trabalha cenários inacreditáveis como a recriação de Las Vegas dos anos 60, a câmara e o escritório de Shaw, o campo de concentração, a sala que os mutantes se reúnem na CIA, o interior do cassino e o bar em que Erik faz uma visita são meros exemplos da perfeição dos cenários. A maquiagem recria o visual de Mística, mas fica devendo na reprodução de Fera. Ele ficou simplesmente bizarro.

Vaughn Gogh

Matthew Vaughn subiu rapidamente ao estrelato pelo sucesso estrondoso de seus dois filmes anteriores, Stardust: O Mistério da Estrela e Kick-Ass: Quebrando Tudo. Com este filme, Vaughn volta a trabalhar com o universo que mais gosta – o dos quadrinhos. O diretor mostrou-se bem eclético na direção visto que Kick-Ass é um filme ultraviolento enquanto este é muito mais leve. Novamente, o inglês acerta em cheio na direção dos atores principais da película. A ambientação vintage, moda seiscentista do filme, criou uma atmosfera única conferindo a identidade visual que todo diretor almeja em sua carreira.

O aspecto mais interessante de sua direção é o enquadramento de seus atores dentro do plano. O diretor evita a todo custo os planos conjuntos – aqueles que enquadram dois ou mais atores a partir do busto ou da cintura. Estes planos devem compor 25% do filme. O diretor prefere isolar seus atores no centro do plano forçando-os a fazer um pseudo monólogo, além de exigir mais da atuação do elenco.

O diretor também aproveita as chances que o roteiro lhe oferece, por exemplo, os inúmeros locais que o filme se passa. Assim, mantém um ritmo muito bom em seu filme. Poucas vezes o diretor abre as imagens do filme. Quando deixa os planos bem abertos, faz com a finalidade de mostrar o gigantismo dos efeitos visuais ou da paisagem. O cineasta apresenta também o uso bem violento da câmera nervosa. O resultado é único quando ele começa a tremer compulsoriamente a imagem.

Às vezes, Vaughn desliza na estética do filme. O visual dos poderes Shaw é ridículo e tosco, desassociando a figura maléfica do antagonista. O gosto duvidoso do diretor também aparece na edição do filme. Ele opta por dividir a tela em várias imagens consecutivas sobrecarregando o espectador com muita informação. Esta escolha foi absolutamente desnecessária já que não adiciona nenhum dinamismo a mais para a cena, somente atrapalha o andamento do filme. A sorte é que isto acontece poucas vezes.

Porém o diretor compensa com momentos de tirar o fôlego. Logo no início do filme, recria perfeitamente a cena que abre X-Men: O Filme com uma carga dramática bem maior. E logo na cena seguinte consegue causar um impacto na plateia apenas com a construção inteligentíssima do segmento que aposta no contraste do visual arrebatador do cenário junto da iluminação da fotografia. Depois, no clímax, surpreende novamente o espectador com a simples inserção de um slow motion fantástico que multiplica a dramaticidade assustadora da cena. A forma que ele conduz o clímax é magistral, principalmente por parte da edição originalíssima que o diretor cria. Ali seu toque é certeiro, intercalando a imagem silenciosa e agonizante da moeda com a da sinapse do grito ensurdecedor e desesperado de McAvoy.

A extinção da mediocridade

Com X-Men: Primeira Classe, Matthew Vaughn finalmente provou que filmes de super-heróis têm capacidade de abandonar a visível mediocridade que condenam inúmeros filmes dos personagens da Marvel. Logo, este novo X-Men é equivalente à qualidade de Batman Begins. O cuidado de toda equipe com o conjunto da obra é memorável. O filme é recomendado a todos os públicos. Mesmo que você não seja fã de quadrinhos, deveria dar uma chance a este filme. Os poucos defeitos que possui não atrapalham que ele assuma o pódio de filmes adaptados das HQs da Marvel. Com o marketing mais genial da história, o filme inaugura um ar completamente novo para a legião de mutantes. Espero que o próximo filme tenha uma narrativa tão encantadora e inteligente quanto esse. Só dou as minhas boas vindas a esta nova trilogia que promete. E muito.

X-Men: Primeira Classe (X: First Class, EUA - 2011)

Direção: Matthew Vaughn
Roteiro: Ashley Miller, Zack Stentz, Jane Goldman, Matthew Vaughn, Sheldon Turner, Bryan Singer
Elenco: James McAvoy, Laurence Belcher, Michael Fassbender, Bill Milner, Kevin Bacon, Rose Byrne, Jennifer Lawrence, Beth Goddard, Morgan Lily, January Jones, Zoë Kravitz, Jason Flemyng, Nicholas Hoult
Gênero: Ação, Aventura, Ficção científica
Duração: 131 min.

https://www.youtube.com/watch?v=kyQKi5-k0UU&ab_channel=X-MenMovies

by Matheus Fragata